Rock al Parque 2009

Y ya pasó la edición número quince de Rock al Parque… Ahora que la tierra en el parque Simón Bolívar ha vuelto a asentarse y los amplificadores han sido guardados, quizá sea buena idea echarle una mirada a la versión más reciente del que dice ser el festival de rock gratuito al aire libre más grande de Latino América.

Arranco admitiendo que hasta cierto punto estaba equivocado. Buena parte de mis recuerdos de los últimos años de Rock al Parque estaban adornados con el hecho que regresaba a mi casa con barro hasta las orejas (Literalmente… No me pregunten como, por favor), sin embargo este año no fue así, y a pesar de lo que sugería el clima de los días que precedieron al festival, en ese sentido, hay que admitir que el cambio de fecha pudo resultar adecuado para evitar traumatismos en la logística de los conciertos. Por otro lado, dicho cambio de fecha resultó ser (Como muchos temíamos), un arma de doble filo; Si bien fue conveniente desde el punto de vista logístico, desde el punto de vista artístico resultó ser una pésima idea: Un Rock al Parque realizado a mitad de año no es más que un pez muy pequeño en un estanque muy grande, dominado por eventos como Glastonbury, Coachella y demás, los cuales terminan por eclipsarlo y de alguna manera limitan las posibilidades que tiene Rock al Parque de crecer en términos de la calidad de su cartel, claro, no implica que traer artistas del hemisferio norte sea garantía de éxito, pero siempre es agradable tener sorpresas del calibre de Apocalyptica, Suicidal Tendencies, Black Rebel Motorcycle Club o Bloc Party. En este sentido, el cambio de fecha y sus implicaciones sobre el cartel de artistas tuvo un efecto nocivo para los verdaderos protagonistas del festival: Las bandas locales. La desafortunada verdad es que al no haber un listado solido de bandas internacionales, el público asistente al festival no estaba tan interesado por ir al festival desde el principio de la jornada, con lo que las bandas que abrían estos escenarios se encontraron tocando ante audiencias absurdamente pequeñas, que en algunos casos, no hacían justicia a la calidad de las bandas.

Pasando a otro tema, la retrospectiva sobre Rock al Parque dejó mucho que desear. Las imágenes de conciertos pasados que se presentaban entre concierto y concierto, en el mejor de los casos no pasaban de esta década, con lo que se evidenció el precario trabajo que se ha hecho en preservar la memoria del festival. Aunque fue una sorpresa agradable tener a nombres tan importantes en el rock bogotano como Mario Duarte y Amós Piñeros en vivo y no en video, hay un odioso subtexto al hecho que no exista tal registro: ‘En esa época no nos importaba lo que se estaba haciendo, así que no nos molestamos en registrarlo’. Así mismo, el hecho que con quince años de festival aun no existan alianzas serias con disqueras y otras industrias culturales para tener un registro mas allá de las transmisiones de Canal Capital habla mal de la organización del festival, que podría hacer mas cuando se tiene el apoyo del gobierno de la ciudad de Bogotá, que desafortunadamente, en otro acto de demagogia decidió convertir al festival en una ventana mas para el proselitismo político y cierto nepotismo y tráfico de influencias, como lo demostró la presentación del colectivo Seykiwia, que si bien tiene tras de sí una causa noble y necesaria, artísticamente hablando no tenía lugar dentro del cartel del festival. Las mentes suspicaces podrían decir que solo estuvo en el festival por sus vínculos con la concejala del Polo Democrático Ati Quigua y uno de los integrantes de la banda Dr. Krápula, convirtiendo esa presentación en un evento político que destiló un odioso tufo a Etnocentrismo para rematar.

Es evidente que la edición numero quince del festival dejó mucho que desear, con un cartel que tuvo buenos momentos pero que no hizo justicia a los estándares dejados por la versión de 2008, y que demostró que si bien el hecho que ya lleve 15 años es prueba que se está haciendo algo bien, también ha habido muchísimos yerros en una organización que podría lograr más con lo que tiene a disposición.


Por lo menos en estos quinces no hubo un Cisne de Icopor.


Estoy perfectamente consciente que ha pasado mucho tiempo desde la última vez que publiqué algo en este blog... Distintos compromisos han hecho que la fecha que cuadro para empezar a publicar de nuevo sea corrida cada vez. Por otro lado, las reseñas que estoy publicando en Cortesía de la Casa tambien me han quitado algo de tiempo. El punto al que trato de llegar es que ÑM ya no va a tener la periodicidad que antes tenía, lo cual me duele muchísimo en el alma porque esta página es mi bebé y quiero seguir publicando cosas en ella. De momento, pueden encontrar mis reseñas semanales en esta página. Asi mismo, estén pendientes de la revista Cartel Urbano, en cuya proxima edición tambien tendré una columna publicada.

Chau, se cuidan

Jesus Christ SuperStar

Como lo había anunciado, el post de esta semana tiene que ver con la Semana Santa, y mas exactamente, con Jesus Christ SuperStar. Uno de los pocos musicales que ha logrado llamar mi atención. Ni Cats ni Rent me han gustado de a mucho.

Tenía unos dieciseis años cuando vi por primera vez la versión dirigida por Norman Jewison en 1973, y poco despues pude ver la versión de 2000 dirigida por Gale Edwards y Nick Morris, y me parece sorprendente la facilidad con la que una misma obra puede cambiar de una manera tan radical... Sobre todo porque ambas versiones son, de alguna manera, hijas de sus respectivas épocas.

Pordía decirse que la versión del '73 es mucho mas hippie en su visión y ejecución. Empezando con el hecho que es filmada en exteriores por completo, y siguiendo con que es una obra filmada por una generación que tiene cierta medida de optimismo sobre lo que puede lograr en el mundo (Aunque en esta época lo podríamos llamar ingenuidad). Es mucho mas colorida y cinematográficamente se siente como una película de los años setenta.

Por otro lado, la versión del 2000 sigue su linaje como hija del videoclip. De alguna manera, las actuaciones de los personajes de este remake rompen la cuarta pared y se reconocen como personajes de una historia. Asi mismo, el estilo visual y musical se despiden del peace and love de los 70 y le hacen guiños a la época mas cinica en la que vivimos hoy.

Y para ilustrar mi punto, aqui hay dos versiones de una misma canción, Jesus Must Die, primero en su versión del 73 y luego la del 2000.





Disfruten, y nos vemos la otra semana.

Emergency Broadcast System

Hola a todo el mundo

La semana pasada no hubo posts porque he estado bastante ocupado por el trabajo y otras cosas... No por falta de material sobre el cual escribir porque hartas cosas han habido. Sin embargo, esta semana haré el esfuerzo para tener al menos un post ambientado en la semana santa.

Lo mas probable es que quizá tenga que reducir la frecuencia de los posts a dos o quizá uno por semana. No estoy completamente seguro y es algo que realmente no quiero hacer, pero me temo que es algo inevitable si quiero garantizar que haya contenido en el blog todas las semanas.

A aquellos que leen esta paginita con frecuencia, les pido que por favor no dejen la sintonía.

Gracias!

El Canto Del Cisne

Lo sabía. Lo sabía, lo sabía, lo sabía!

Sabía que si Nine Inch Nails iba a desaparecer (Por un tiempo, eso esperamos todos), lo iba a hacer con toda la clase del mundo. O si no, como llaman a una gira de Nine Inch Nails y Jane's Addiction? Es la unión de dos de los nombres mas importantes en la música de los noventa. Y lo que es mejor, junto con Street Sweeper (Proyecto de Boots Riley y Tom Morello), han lanzado un sampler de la gira que realizarán en el verano de este año.

La banda de Perry Farrell aporta Chip Away y Whores, canciones que no habían sido grabadas en estudio de manera oficial hasta el momento. La labor de Trent Reznor en la producción se nota de manera decisiva en los temas. Mientras que Whores tiene un sonido realmente duro y contundente, Chip Away es mas dispersa y atmosférica. Not So Pretty Now y No-Entity, canciones de Nine Inch Nails son como dos caras de una misma moneda, encarnaciones distintas de un mismo sonido que guarda similitudes con las canciones mas pesadas del álbum mas reciente de NIN, The Slip.

Finalmente, Street Sweeper aporta dos temas, Clap For The Killers y The Oath. Mientras que The Oath recuerda a los últimos días de Rage Against The Machine, aunque Clap For The Killers tiene un incómodo sonsonete funk que demerita un poco al tema.

Si dos de las bandas mas importantes de los últimos 20 años se reunen en una gira, una para decir adiós, y otra para decir hola de nuevo (al parecer) es algo que vale la pena notar. El sampler, disponible para descarga acá, es una excelente muestra del sonido de Nine Inch Nails y Jane's Addiction, a la vez que muestra la propuesta de Street Sweeper.

Ida Maria - Fortress 'Round My Heart

Cuando se vive en alguno de los países de la peninsula escandinava (o en Islandia), realmente no hay mucho que hacer, si le hacemos caso a Björk... Asi que combaten su aburrimiento haciendo música, como lo muestra la gran cantidad de buena música que llega de los países habitados por los descendientes de los Vikingos, como la noruega Ida María con su album del 2008, Fortress 'Round My Heart.

En los 31:03 (!) que dura este álbum, Ida María muestra un sonido que aunque convencional y sencillo de alguna manera, es increiblemente pegajoso. Oh My God y I Like You So Much Better When You're Naked son hasta cierto punto, variaciones sobre un mismo tema de sonido guitarrudo y rápido, sin que por ello no sean interesantes en su propio derecho. Mientras que Oh My God tiene algo mas de rabia, I Like You... tiene un tono mas pegajoso y juguetón. Por otro lado, Drive Away My Heart, Keep Me Warm y See Me Through cumplen con la cuota de canciones lentas y ciertamente mas melancólicas... No todo puede ser fiesta.

El sonido del álbum hace lo mejor posible con los recursos a la mano. Los hiccups que puede tener la voz de Ida Maria en ocasiones se amoldan de manera perfecta a la canción dependiendo de las circunstancias, con lo que deja de ser un gimmick o una falta de profesionalismo sino que le dan al album una agradable cualidad de cercanía e intimidad.

Simple, directo al grano, y efectivo, son los mejores adjetivos que se le pueden dar a Fortress 'Round My Heart. Un álbum divertido y pegajoso que se queda en quien lo escucha de una manera bastante agradable. Cabe decir que lo descubrí gracias a Lucía.

Mastodon - Crack The Skye

Este es un álbum con el que di mucha alharaca y al fin la hora ha llegado. Mastodon ha lanzado su cuarto álbum, titulado Crack The Skye y cumple todo lo que promete.

Cuando hablaba del primer sencillo del album, Divinations, comentaba como el sonido de este álbum apunta mas a la creación de una atmósfera determinada, a diferencia de sus anteriores esfuerzos, mas específicamente, Leviathan y Blood Mountain. En ese sentido, el primer sencillo del álbum es un abrebocas con respecto a lo que logran las demás canciones, como es el caso de Oblivion, Ghost of Karellia o la homónima Crack The Skye, canciones cuyo peso y fuerza reside en la atmosfera que crean en lugar de guitarras o baterías que vayan a velocidades rompecuellos, aun cuando esto no quiera decir que hayan abandonado por completo el lado mas HeadBanger de su sonido, The Czar y The Last Baron, en sus 10:54 y 13:01 respectivamente son un paseo por todo lo que tiene que ofrecer la banda de Atlanta en términos de cambios de tiempo, voces, batería y riffs de guitarra y bajo.

Conceptualmente, es tan complejo como Blood Mountain, intentando contar una historia llena de viajes astrales, cultos, Rasputín y la Rusia Zarista, aunque tiene algunos contratiempos en lograrlo, en general salen bien librados de su intento de contar una historia.

Crack The Skye sin duda alguna destrona a Leviathan como el mejor album de la banda, y junto a Jane Doe de Converge, tiene un lugar entre los mejores álbumes del género en esta década, mostrando que lejos de morir o anquilosarse, el Metal se ha convertido en una nueva bestia, con una oscuridad distinta a la de anteriores encarnaciones, y aun mas interesante.

Placebo - Battle For The Sun

Cuando pasa tanto tiempo entre el lanzamiento de un single y el lanzamiento de un álbum, es una agridulce espera, especialmente cuando ese sencillo es el abrebocas al nuevo álbum de Placebo, titulado Battle For The Sun.

Con la salida de Steve Hewitt de la banda en 2007, eramos muchos los que temíamos por lo que pudiera pasar con Placebo, sin embargo, este sencillo demuestra que estabamos equivocados. Aunque el comienzo del tema puede parecer un poco lento y hasta soso, rápidamente toma impulso con una mezcla de fueza y rapidez que tambien muestra el cambio que ha tenido la voz de Brian Molko, perdiendo esa cualidad nasal de los primeros álbumes y mostrandose mas añeja y mas interesante. Es un cambio con respecto al sonido del Meds que se caracterizaba por tener un sonido mas electrónico y con mas sintetizadores, Battle For The Sun es el abrebocas de un sonido con mas arreglos de cuerdas que le da una naturaleza un tanto épica hacia el final de la canción.

Battle For The Sun se convierte en el abrebocas de esta nueva etapa de la banda británica, aunque habrá que esperar hasta Junio para poder comprobarlo, mientras tanto, pueden bajar el sencillo acá.

Erin Go Bragh

El 17 de Marzo es el día de San Patricio, Santo Patrón de Irlanda, y es una excusa para que todos nos sintamos un poco Irlandeses (Tambien es una excusa para tomar cerveza un martes... En el espíritu de la fecha, presento una lista de canciones apropiadas para la celebración.

Ode To My Family - The Cranberries
Whiskey In The Jar - The Dubliners (La versión de Thin Lizzy tambien es apropiada)
Tobacco Island - Flogging Molly
I'm Shipping Up To Boston - Dropkick Murphys
Grace of God Go I - Flogging Molly
Johnny I Hardly Knew Ya - La versión de los Dropkick es bastante buena... No la vayan a cantar con la letra sobre Fernando Torres
Irish Blood, English Heart - Morrisey
Allison - Elvis Costello
Gloria - Van Morrison
Nobody's Hero - Stiff Little Fingers
When You Sleep - My Bloody Valentine (Admito que rompe un poco el mood de la fecha, pero son Irlandeses, y son My Bloody Valentine, asi que...)

Para rematar la fecha, no hay nada mejor que una sobredosis de Flogging Molly: Seven Deadly Sins, Devil's Dance Floor, The Kilburn High Road, What's Left of The Flag, Drunken Lullabies, y cuando ya todo el mundo esté que se caiga de la borrachera, Death Valley Queen, un hermoso tema de despecho para que toda la concurrencia cante junta... Y por cantar junta me refiero a fuera de tiempo, desafinados, y borrachos como un marinero irlandés en día de paga.

Espero que hayan pasado un buen día de San Patricio y que se hayan puesto ropa verde, o si no... Hay pellizcos.

Umlauts Criollas

Lo que va corrido del año ha sido muy bueno con los admiradores del Metal en Colombia, en tres meses ya se han presentado In Flames, Anthrax y Iron Maiden, y antes de que lleguemos a Mayo, Opeth, MotörHead y Kiss darán conciertos en el país... Sin embargo una pregunta me queda en el aire: ¿Que pasa con el Metal nacional? No me malinterpreten, conciertos como los que han pasado y los que vienen demuestran que las bandas del género tienen una audiencia significativa... Pero ¿Porque recibimos y no damos? ¿Porque no aparece una banda colombiana de Metal importante?

Pienso inmediatamente en el estereotipo del metalero del que por años se ha hablado y que ha sido el blanco de una que otra broma; mas allá de un look visual específico, es su mentalidad y disposición la que por lo menos, a mi me irrita hasta niveles indecibles: Esa imposibilidad de escuchar música de generos distintos al que le dedica todo su esfuerzo, y lo que es mas grave, circunscribirse de manera dogmática y un poco ridicula a un periodo de tiempo determinado, mas de una vez he quedado francamente sorprendido ante 'Metaleros' que no conocen a bandas como Converge, Mastodon o The Sword o a los que la llamada 'New Wave of American Heavy Metal' les pasa por encima, o como tambien lo demuestra el hecho que Rock al Parque tenga que dedicarle un dia completo al género... Actitudes como esa son prueba del punto muerto en el que se encuentra el Metal colombiano, en el que aunque hay una audiencia y un grupo significativo de seguidores, no hay una producción local meritoria, es muy diciente el hecho que Kraken, que podrían ser considerados los padrinos del Metal Colombiano, lleven mas de diez años sin producir un nuevo álbum de estudio, contentandose con lanzar álbumes sinfónicos, tributos y demás.

La palabra acá es 'Abrir'. De la misma manera que en otras escenas el género se ha mantenido vivo porque se abre a otras influencias y deja de lado la sobre especialización excesiva, la unica manera en la que Colombia va a tener una verdadera escena Metal, en la que las bandas extranjeras tienen una audiencia al mismo tiempo que hay una producción importante de bandas locales es cuando se deje la estrechez de mente ante lo nuevo o distinto.

Where The Grrls Are: Cat Power

Y vuelve la sección favorita de todos y todas, en esta ocasión, hablando de Charlyn 'Chan' Marshall, mas conocida como Cat Power.

Nacida en 1972, la obra de Cat Power vería la luz en la década del 90. Bajo el impulso de nombres como Steve Shelley (Sonic Youth), su primer álbum, Dear Sir, sería lanzado en 1995, con la participación de Shelley. Un año después, lanzaría Myra Lee, que tambien es el nombre de la madre de Cat Power. El mismo año vería el lanzamiento de su tercer álbum, What Would The Community Think? Estos primeros tres álbumes nos mostrarían un sonido provisto de un minimalismo casi que In Extremis, con arreglos precisos aunque pequeños, en los que la guitarra tenía el papel principal y Marshall nos mostraba la voz rasposa e influenciada por el blues que se convertiría en una de las marcas resgistradas de su sonido. Tras un retiro de la música durante 1996 y 1997, 1998 sería el año en el que su cuarto álbum, Moon Pix aparecería, en el que se ve un esfuerzo por llevar el sonido en una dirección distinta, mas estructurado y con mas capas en el mismo, dandole una nueva dimensión a su sonido minimalista de los anteriores álbumes y dejando de lado los elementos experimentales que tenía anteriormente.

El comienzo de la década vería a Marshall afrontando problemas personales, mas exactamente, un problema de bebida que se trasladó a sus conciertos, que se hacían cada vez mas erráticos, con Chan interrumpiendo canciones a la mitad de la presentación y otras cosas por el estilo. El primer álbum de ella en esta década sería You Are Free, con colaboraciones de Eddie Vedder y Dave Grohl, entre otros, mientras que The Greatest, lanzado en 2005 con la participación de Teenie Hodges (Guitarrista que tocó para Al Green) empezaría a marcar el camino hacia su sonido mas influenciado por el blues y el soul. Sin embargo, tambien es el momento en el que sus problemas aumentarían con un consumo de alcohol, fármacos y otras sustancias que la dejaría al borde del suicidio. Fue gracias a la intervención de su amiga, la artista Neoyorquina Suzanna Vapnek que entraría a rehabilitación, lanzando un nuevo álbum de covers, Jukebox, y embarcándose en una gira que la vería tocar en Colombia el 07 de mayo del pasado año (Si me permiten el comentario, uno de los mejores conciertos que he visto). A finales del 2008 lanzaría un nuevo EP, The Dark End of the Street, anunciando estar preparando un nuevo álbum para 2009.

Chan, o Cat Power es una de las voces femeninas mas importantes en la música de los últimos quince años, con un estilo que en un principio manifestaba influencias de Sonic Youth pero que en la actualidad se enmarca en una tradición mas propia del blues y del soul.

Conversación con David Escandón

En los últimos días, tuve oportunidad de hablar con David Escandón, bajista de la banda bogotana Los Poetas Ácidos. Conversamos sobre el Indie, Ableton, y otras cosas

Julián: Desde su punto de vista tanto en Bogotá Ciudad Rock como bajista de Los Poetas Ácidos, ¿Con que asocia el término 'Indie'?

David: Bueno… en los últimos años se ha asociado lo "indie" como una corriente musical asociada más a una moda que recopila la influencia musical de las décadas pasadas, y las mezclas con nuevos sonidos. sin embargo, cuando nos referimos a lo indie como banda, o como organización, lo hacemos más refiriéndonos al origen de la palabra, es decir, lo independiente... Estamos generando un movimiento independiente, que genera sus propios medios y que se hace autosostenible. Un movimiento que se nutre de sí mismo, donde cada uno de sus componentes hace su aporte propio...

Julián: En ese sentido , Vd. creería que hay dos 'acepciones' de lo 'Indie'? ¿Una que hace referencia al sonido de la banda y otra que alude a lo que tiene que ver con canales de distribución, promoción y demás?

David: Exactamente... Digamos que está muy relacionado a la cultura del "hágalo ud. mismo"... Haga su música, grábela por sus medios, distribúyala por su cuenta, Sin intermediarios, sin una industria que lo regule. Porque ha habido un auge en estos últimos años.. porque se han habierto los canales de distribución, promoción y difusión, y han llegado al alcance de los músicos.

Julián: ¿Que papel ha tenido la tecnología en todo esto? ¿Hasta que punto la aparición de computadores poderosos a precios mas o menos razonables, y herramientas como Reason, Ableton, o Last.FM han hecho esto posible?

David: La tecnología ha sido decisiva en esta transformación... La tecnología ha facilitado herramientas para la grabación y la producción... Nunca antes había sido tan fácil grabar, hacer fotografía, producir video, hacer estrategias de mercadeo... La piratería ha jugado también un papel importantísimo, La piratería está cambiando completamente la lógica del mercado musical...

Julián: ¿De qué manera?

David: Simplemente marca tendencias... si la gente compra pirata, o descarga gratuitamente, es porque el mercado discográfico está en desventaja... esto hace que bajen los precios, que se reformulen las estrategias de mercado. Eso hace que se descentralice la producción musical, es decir, que no dependa exclusivamente de la industria... Incluso podría decirse que los intentos legales o técnicos para combatir la piratería han fracasado siempre, y en realidad no existe una manera de combatirla que no sea a través del mercado... También ha hecho que algunos artistas le den más importancia a su obra que a su valor comercial con iniciativas como los Creative Commons en donde simplemente se comparte abiertamente la producción artística sin un propósito comercial, los artistas obtienen mayor difusión, e ingresos por presentaciones, y eventos, más no por distribución.

Julián: Siguiendo esa lógica, ¿Cree que vamos a ver mas modelos de distribución como el de Nine Inch Nails, que lanzó su álbum más reciente con una licencia Creative Commons?

David: Claro, el público mismo se va a encargar de que así sea... Hoy en día, cuando una persona compra un CD original lo primero que hace es bajarlo a MP3 para escucharlo en el computador, en el iPod, para compartirlo con sus amigos, que a la vez lo compartirán con otros, sin importar cuán legal sea

Julián: Volviendo al tema de lo 'Indie'... En los últimos años se ha visto una popularización del término que ha llegado a otros campos como la moda, como lo muestra el tan cacareado estereotipo del 'Hipster' ¿Hasta que punto cree que lo 'Indie' se ha visto reducido a la categoría de cliché, si es que eso ha ocurido?

David: Sí.... de cierta forma se convirtió en un comodín para referirse a una corriente... que aunque no sea del todo desacertada, sí la enmarca en un cliché. Siempre se tiende a nombrar las cosas de alguna forma, y supongo que en algún momento determinado la relación entre moda, música e industria terminaron por asociarse en un solo concepto...

Julián: Entiendo. Muchas gracias por sus respuestas, David

David: Vale.

Se que estoy empezando a sonar como ese tipo 'Andrés Candela' que llena las secciones de comentarios del Tiempo con propaganda descarada, pero Cartel Urbano acaba de relanzar su sitio con una versión online de mi columna 'El Circo de las Buenas Intenciones' publicado en la edición impresa de la revista.

Hablamos luego.

Tres Tríos en una Tarima

Realmente, tenía pensado escribir un 'Where the Grrls Are', con lo del día de la mujer y toda la cosa, pero cosas pasan y decidí que sería mejor idea hablar sobre el concierto al que asistí este pasado 07 de marzo, con las bandas Bogotanas Los Poetas Ácidos, Moskito Corp. y Madremonte en Jackass Bar (Cra 16#80-84).

No soy muy amigo de la creación excesiva de géneros, pero la verdad es que en el caso de Moskito Corp, la etiqueta de 'TropiGrunge' no es muy descabellada a la hora de describir su sonido. Camilo Donato, John Robayo y Sergio Méndez logran tener un feel muy tropical a la vez que cuando asi lo quieren, hacen mas pesadas sus guitarras. Sin embargo, aunque es una banda que logra hacer un buen trabajo en la parte 'Grunge' y un muy buen trabajo en la parte 'Tropi' de su sonido, se quedan un poco cortos a la hora de juntar ambas de una forma armoniosa, con lo que el paso de un tipo de sonido a otro en sus canciones se puede llegar a sentir un poco forzado.

Ya había tenido ocasión de escuchar un par de veces antes a Los Poetas Ácidos, banda conformada por los hermanos Rafael, David y Sergio Escandón, pero en el concierto de anoche fue cuando pude comprobar el nivel de la banda. Con un sonido fuerte y letras inteligentes, los Escandón mostraron porque tienen todas las credenciales para ser considerados como una de las bandas mas importantes de Bogotá en este momento. Los Poetas Ácidos recuerdan al sonido de los noventa con sus guitarras distorsionadas, pero sin caer en posturas nostalgicas que a nada llevan. Es una banda influenciada por esa década y por la ciudad, pero que en ningún momento trata de copiar o de imitar a sus influencias.

El concierto fue cerrado por MadreMonte, que de lejos, tuvo el sonido mas bluesero de la noche, con una guitarra elaborada y llena de distintas capas en su sonido, obra de su guitarrista Bluesman Nuga, pero al mismo tiempo, tienen una sensibilidad muy propia y nacional, como lo evidencian las letras de Erandy y el bajo de Óscar Puentes. Aun asi, quizá es por esa sensibilidad tan bluesera que de alguna manera, el sonido de MadreMonte desencajó un poco con el sonido en general del concierto.

En general, el concierto del 07 de marzo fue un excelente portafolio del sonido de las bandas bogotanas. En las respectivas páginas de Myspace y Last.FM de las bandas pueden conocer mas de ellas. Tras el concierto, tuve la oportunidad de hablar un rato con Rafael Escandón, lider de Los Poetas Ácidos, y pueden escuchar la conversación acá.

Patitos Feos/Bellos Durmientes

Hay algo mejor que encontrar un álbum que es bueno la primera vez que se escucha: Encontrar un álbum que la primera vez que se escucha no es nada del otro mundo, pero que con el tiempo va agarrando mas y mas calidad. Buscando en mi colección de música encontré dos ejemplos de ello que pongo a consideración.

Garbage - Bleed Like Me: Soy uno de los muchos que se decepcionó con Beautiful Garbage, ocho años después, aun no logro saber que es, si es que lo asocio con una época no muy buena de mi vida, si es que es demasiado electrónico, no se realmente que sea, pero realmente no tenía muchas expectativas cuando Bleed Like Me vio la luz en 2005. Why Do You Love Me?, el primer sencillo, no me pareció malo, pero tampoco nada del otro mundo, sin embargo con el paso del tiempo, empecé a encontrarle el gusto a este álbum. Su éxito reside en que vuelve a buscar el balance entre elementos electrónicos y eléctricos que hizo a Garbage una de las bandas mas importantes de los '90. Si Why Do You Love Me? o Sex Is Not The Enemy nos presentaba a una banda mas a gusto con las guitarras electricas con amplificadores llevados a 11, Why Don't You Come Over tiene secuencias y beats que son del agrado de cualquiera y que con los años no han hecho mas que mejorar. El secreto para el éxito de este álbum es el balance.

Green Day - American Idiot: Green Day es la banda sonora de mi preadolescencia y adolescencia. Dookie y Nimrod tienen algunas de las que son las canciones mas importantes para mi. Y a pesar de lo que algunos digan, Warning tiene sus cosas buenas de entrada. American Idiot representa un cambio significativo en el estilo de la banda con respecto a su album de 2001, el sonido es quizá un poco mas duro y ciertamente hay un mayor compromiso político en el contenido lírico de la banda. Desafortunadamente, ese cambio que implicó el paso definitivo de la banda al Mainstream fue interpretado por muchos como el momento en el que se "Vendió" la banda; al mismo tiempo, el estilo visual que adoptaron fue rápidamente interpretado como 'emo', en el preciso momento en que ese estilacho agarraba mas fuerza y era vilipendiado por todos (Me incluyo). El mérito del álbum se logra ver cuando no se entiende como un álbum de punk, sino como el punto de bisagra en el sonido de la banda, que veremos en el siguiente álbum.

Estos dos son unos de los 'Patitos Feos' que han aparecido en mi colección musical. ¿Cuales han encontrado ustedes?

We're Back! (Unas por otras)

Así como unos se van, otros anuncian que vuelven.

Faith No More acaba de anunciar en su página que despues de 11 años, se reunen

Aquí está el anuncio, con el que de paso actualizan su página por primera vez en once años, justo después del aviso de la disolución de la banda. Ojalá aprovechen para arreglar el diseño porque es taaaaaan de 1998.

Hay razones para estar razonblemente contento.

Sahara Hotnights - Sparks

Parece que Febrero es el 'Mes del artista sueco' acá en Ñoñerismo Musical... A Camp y Mando Diao han lanzado sus mas recientes álbumes y ahora es el turno de las encantadoras señoritas de Sahara Hotnights, que presentan su álbum mas reciente, titulado Sparks.

Aunque mas de uno mira para otro lado cada vez que una banda lanza un álbum de covers, la verdad es que no hay mejor escuela que hacer versiones de las canciones de las bandas que han influido en el sonido propio. En ese sentido, es una agradable sorpresa encontrar que dentro de las bandas y artistas que son revisados en este álbum se encuentran (entre otros) Foo Fighters (Big Me), Dusty Springfield, (In Private), Aneka (Japanese Boy), Y la que a mi juicio, es la sorpresa mas agradable del álbum, Suzi Quattro, que es homenajeada con una excelente versión de If You Can't Give Me Love. Es bastante agradable encontrar esta versión porque a fin de cuentas, es gracias a artistas como Quattro que bandas como Sahara Hotnights existen. Por otro lado, la inclusión de una banda como Foo Fighters le hace honor a las raíces mas rockeras de la banda, mientras que Aneka o Dusty Springfield demuestran la influencia del pop en el sonido de la banda, y mas especificamente, en la voz de su vocalista, María Andersson.

Su album de 2007, What if Leaving is a Loving Thing marcó un cambio en el sonido de la banda, dejando de lado esa faceta mas cercana al punk para adoptar un sonido mas maduro y mas cercano al pop. aunque en canciones como Wide River, Calm Down o If You Can't Give Me Love siguen mostrando que 'Tienen con que', se podría decir que el paso del tiempo ha tenido su efecto en María, Josephine y las hermanas Asplund, haciendolas menos aceleradas, y un poco mas sabias. Por eso mismo, quienes se prendaron de ellas con canciones como Alright, Alright o Hot Night Crash pueden sentirse alienados con este sonido mas pop.

Aquellos que conocieron a estas señoritas con su álbum de 2007 se sentirán en su salsa con este álbum, sin embargo, aquellos que las escuchaban desde antes de What if Leaving... quizá se sientan tentados a abandonar el barco de Sahara Hotnights. Sin embargo, lo que hay que entender es la progresión que el sonido de la banda ha tenido, y los lugares a los que puede llegar.

*cough* Lean mi columna en la edición 25 de Cartel Urbano *cough*

War Sucks, Let's Party!

De nuevo, este es otro de esos posts en los que no hablo de música, sino que me las doy de profundo y hablo de otra cosa, asi que de antemano pido disculpas.

Este año arrancó acá en Bogotá con, entre otras cosas, la muerte de Juan Pablo Arenas, un joven estudiante de periodismo en una zona que desde hace mucho tiempo no era uno de los rumbos mas seguros de la ciudad. Como se necesita que las tragedias tengan nombre propio para que alguien haga algo al respecto, fue hasta la muerte de el que la alcaldía decidió tomar cartas en el asunto de una forma mas bien torpe, que no hizo mas que trasladar el asunto a otras partes de la ciudad, al mismo tiempo que empezó a echar luz sobre como, a pesar de los avances en materia de cobertura de salud y educación, la alcaldía de Samuel Moreno ha resultado incompetente a la hora de manejar el tema de seguridad, escudándose constantemente en el hecho que es solo una cuestión de percepción, olvidan el hecho que las percepciones subjetivas se basan en una realidad objetiva, si el emperador parece estar medio desnudo, es porque está medio desnudo.

En una época de manifestaciones populares facilmente ensamblables, solo fue cuestión de tiempo para que alguien dijera algo al respecto. Como suele ocurrir, fue gracias a Facebook. Una manifestación que en principio reclamaba ante la "Indiferencia del alcalde" (Si tal cosa es real o no, es historia para otro día), pero que rápidamente se retractó... Con el tiempo, vino a convertirse en un evento con un mensaje diluido y sin una dirección clara, en la que simplemente se manifiesta la inconformidad por una situación sin proponer una alternativa de solución, y lo que es mas grave, sin demandar responsabilidad de aquellos que tienen como trabajo salvaguardar la seguridad de los habitantes de la ciudad, resultando en un evento tibio y que simplemente manifiesta una inconformidad con una situación, hasta cierto punto es como decir "Me gustan los perritos". Para rematar todo, se ha programado un evento como son costumbre en este país, que realmente no va a quitar ni poner porque no va a proponer nada.

Ciertamente estoy sonando como un viejo gruñón acá. Pero la triste verdad es que esa es la unica reacción que cabe, de quejarse y manifestar lo que está mal. Desafortunadamente hay que tomar esa actitud ante los mismos intentos de manifestarse, que no son mas que susurros en un momento en el que se requieren gritos para exigir que aquellos a quienes hemos elegido para que ocupen cargos publicos asuman su responsabilidad.

No olviden conseguir su copia de Cartel Urbano si viven en Bogotá. Adivinen quien tiene una columna titulada 'El Circo de las Buenas Intenciones' (psssst, soy yo).

Asobi Seksu - Hush

Sienten eso en el aire? Si! Es un nuevo álbum de Asobi Seksu, Yuki Chikudate y James Hanna vuelven al ataque con un nuevo álbum! Después del Citrus de 2006, el dúo proveniente de Nueva York nos presenta su producción mas reciente, titulada Hush.

La mejor manera de describir el sonido del álbum es "Parecido Pero Distinto", en el sentido que sigue sonando y sintiéndose como un álbum de Asobi Seksu, pero la sensación se logra a través de medios distintos. Mientras que su álbum homónimo y la producción del 2006, Citrus destilaban guitarras distorsionadas que creaban un muro de sonido propio del shoegazer, combinado con arreglos menos espesos de guitarra y con la eterea voz de Chikudate, Hush nos presenta un sonido mas propio del Dream Pop, en el que el muro de sonido no se logra a partir de guitarras distorsionadas hasta el punto de quiebre, sino que se obtiene a partir de sucesivas capas de la voz de Yuki, como ocurre en Gliss, mientras que en In The Sky tal efecto se logra a partir de los arreglos de sintetizador, e incluso de percusión, presentando un hermoso efecto envolvente.

Aun así, hay cosas que siguen recordandonos al anterior sonido de la banda, como es el caso de Me & Mary, el primer sencillo del álbum, con una guitarra mas distorsionada que aunque ciertamente no puede ser considerada como una canción menor, es demasiado parecida tanto en instrumentación como en estructura a otros temas de otros álbums de la banda.

Con un sonido mas propio del Dream Pop que del Shoegaze, Hush de Asobi Seksu representa un sonido mas accesible para quienes se sienten abrumados por el género que popularizo My Bloody Valentine, y que se convierte en un buen punto de entrada para concoer a esta banda Neoyorquina.

Si leen este blog y viven en Bogotá, les interesará conseguir la nueva edición de la revista Cartel Urbano, que sale a las calles esta semana (25 de Febrero, si no me equivoco). ¿Porqué? Además de ser una muy buena revista sobre arte y cultura en Bogotá, esta edición contendrá una columna escrita por su simpático servidor, Julián Felipe Gutiérrez (O sea, yo). La revista es de distribución gratuita, y la pueden encontrar en sitios como el Art Books de la Calle 26 con 10, el MAMBO, o la galería Matik-Matik (Cra 11 # 67-20). Una vez mas, le agradezco a Jorge Pinzón la oportunidad de ver mi escrito publicado en la revista.

Nickel Eye - The Time of the Assasins

Algo me dice que no resulta descabellado llamar a 2009 "El Año Internacional de los Proyectos en Solitario" acá en Ñoñerismo Musical. Los proyectos de Nina Persson (The Cardigans), John Frusciante (Red Hot Chilli Peppers) y Héctor Buitrago (Aterciopelados) han ocupado su espacio en esta humilde página, y hoy, la tradición se mantiene con Nikolai Fraiture (Bajista de los Strokes), y su proyecto en solitario Nickel Eye que presenta su primer álbum: The Time Of The Assasins.

La impresión mas grande que deja este álbum es el aire folk que tiene, que además de expresarse en su sonido, se pone de manifiesto en sus letras y la 'actitud' por llamarla de alguna manera... Es fácil imaginarse a alguien cantando alguna de las canciones de este álbum en el bar de algún pueblo en el medio del desierto, como This is The End, o a algun viajero al lado de un camino cualquiera, con un sombrero de ala ancha tapandole la mitad del rostro, tarareando la melodía de Providence, RI. Cada una de las canciones de este álbum es una historia en si misma, llenas de una poderosa naturaleza acústica, que contrasta con el sonido de The Strokes, y que aparece con gran fuerza en temas como Where The Cold Wind Blows (Que cuenta con la participación de Regina Spektor), Back From Exile, o Another Sunny Afternoon. Por otro lado, un par de canciones nos recuerdan de donde viene Fraiture, como es el caso de Dying Star, una colaboración con Nick Zinner de los Yeah Yeah Yeahs, y Brandy of the Damned .

Cuando hablaba del proyecto en solitario de Kevin Drew de Broken Social Scene, comentaba como este tipo de álbums permitían ver la influencia de un artista en el sonido de una banda, sin embargo, en este album se da el inverso de la situación. Al igual que con el álbum en solitario de Albert Hammond Jr, el trabajo vocal de Fraiture se parece demasiado al de Julian Casablancas, y lo que es peor, no es necesariamente sobresaliente.

Con un marcado folk y colaboraciones de Nick Zinner y Regina Spektor, The Time of the Assasins es un álbum que permite ver una dimensión distinta del trabajo de Nikolai Fraiture a la vez que nos da contentillo a todos los que estamos esperando el cuarto álbum de los Strokes.

Goodbye, Farewell, and Amen (For A While, Let's Hope)

Resulta sorprendente pensar que este año se cumplen 20 años del lanzamiento del primer álbum de Nine Inch Nails, Pretty Hate Machine. Aunque no es mi álbum favorito de toda la producción de la banda de Trent Reznor (De hecho, es el que menos me gusta), me resulta fascinante imaginar que pasó por las cabezas de quienes oyeron ese álbum por primera vez en 1989. Guardando las proporciones, debió ser un evento de una magnitud similar a cuando, en 1938, miles de niños abrieron por primera vez las páginas de la Action Comics número 1 (La primera aparición de Superman).

De acuerdo a un comunicado escrito por el mismo Reznor en la página de NIN, una de las bandas mas importantes de los últimos 25 años desaparecerá, por lo menos, por un tiempo. Es una noticia que coge a todo el mundo por sorpresa. A fin de cuentas, no es como si NIN se haya convertido en una de esas bandas que está en una gira eterna, sin molestarse en sacar nuevo material y viviendo de glorias pasadas. Su álbum mas reciente, The Slip, es una muestra clara y contundente que la creatividad de Reznor que vimos en álbumes como The Fragile o Downward Spiral permanece, no como una entidad estática, sino como una criatura viva que con el paso del tiempo se ha transformado y es un animal completamente distinto, pero no por ello, menos interesante. Por otro lado, veinte años son Veinte Años, y así como en este momento podemos estar arrojando flores sobre la genialidad de NIN, dentro de poco podríamos estar acusando a Reznor et. Al de manchar el nombre de Nine Inch Nails y otros crimenes por el estilo.

Me niego a creer que en este hiato que va a tener la banda, Trent Reznor va a quedarse callado, estoy convencido que veremos nuevos proyectos, para usar un cliché: Amanecerá y veremos. Nos queda esperar que no haya ningún contratiempo y que en la gira que anuncia en su página se decida a pasar por el país del Sagrado Corazón.

Mando Diao - Give Me Fire

Hay mucha música saliendo de Suecia en estas semanas, el nuevo album de A Camp, Sahara Hotnights y su nuevo álbum que saldrá en unos días, y los cinco simpáticos patanes de Mando Diao que acaban de lanzar su nuevo álbum, títulado ´Give Me Fire'.

A pesar de que es dificil para algunos de nosotros admitirlo, estamos en una época en la que la labor del productor de un álbum es casi tan importante como la labor de la banda per se a la hora de lograr el sonido carácteristico del disco. En este caso, la labor de Salla y Masse Salazar, del grupo sueco de Hip Hop The Latin Kings se hace notable en cada una de las 13 canciones del álbum. La influencia que aparece en el disco, sin embargo, es una de espíritu mas que de sonido, que se manifiesta de forma mas contundente en la canción que le da nombre al disco, Give Me Fire, un tema con un aire retro pero al mismo tiempo con un aire bastante 'latino', una combinación que tambien se ve en Maybe Just Sad, que tiene un curioso tufillo a surf y películas de James Bond. Por otro lado, los otros temas del álbum recuerdan a su álbum anterior Never Seen The Light of Day pero con un sonido mas bailable, como es el caso de la apropiadamente llamada Dance With Somebody, Mean Street, o Gloria. A Decent Life, un tema instrumental de 1:45, por su parte, se convierte en el puente perfecto entre la primera mitad del álbum, mas bailable, y la segunda, que no lo es tanto y apela mas a un sonido mas propio del post-punk.

Aunque no es exactamente un punto de partida para quienes no conocen a estos suecos, Give Me Fire se convierte en una invitación para ver como ha evolucionado el sonido de la banda despues de escuchar con juicio sus anteriores trabajos.

Amor Ñoño

Francamente, la idea del día de San Valentín, o del día del Amor y la Amistad como se conoce por estas latitudes, me parece desagradable. Lo último que necesito es que la mafia de las tarjetas, las flores y los chocolates dicte las fechas en las que puedo decirle a alguien lo que siento. Sin embargo, me pareció que esta es una buena fecha para publicar una lista que venía cocinando desde hace un tiempo, de canciones ñoñas de amor, desamor y demás. Así que aqui vamos (Noten que hay varias canciones de un solo artista, y que algunas de estas canciones son, si me permiten una ligera guarrez, para 'Rematar la faena'):

P.S You Rock My World -Eels
You're The Storm, And Then You Kissed Me, Heart Breaker, Our Space Lead Me Into The Night, If There Is A Chance - The Cardigans (Que no se note mi teenage crush de Nina Persson)
Oh Oh I Love Her So, She's A Sensation, I Wanna Be Your Boyfriend, Needles And Pins - The Ramones
I Can Buy You, Song For The Leftovers - A Camp
I Love You - The Pipettes
Set The Fire To The Third Bar, Open Your Eyes, Crack The Shutters, Run - Snow Patrol
Nicest Thing - Kate Nash
De Viaje - Los Planetas
In Joy And Sorrow, Join Me (In Death), It's All Tears (Drown In This Love) - HIM (La última es para 'Rematar la faena')
Dagger - SlowDive
Cancao Pra Voce Viver Mais, Eu, Por Perto, Me Explica, 30000 Pés - Pato Fu
The Girl, Forgive Me - City & Colour
Ni Tu Ni Nadie, Mi Novio Es Un Zombie - Alaska & Dinarama (Se lo que están pensando, pero si entraron a un blog que se llama 'Ñoñerismo Musical', sabían a que se atenían)
Walk Like A Zombie - Horrorpops (Para seguir con el tema de los Zombies y 'el amort' como lo llaman algunas chicas)
Saturday Night - The Misfits
Eres - Café Tacuba
I Just Think She's The Best, Will You Go To Prom With Me - HelloGoodbye
Glycerine - Bush
Liquid Paper - Airiel
Funny Little Frog - Belle & Sebastian
Como Eran Las Cosas, Las Demás, Risa, Mareo, Suturno, Irresponsables, El Colmo - Babasónicos (Adrián Dárgelos es el Sandro de nuestra época)
La Estaca, Bolero Falaz, Sortilegio - Aterciopelados
Hurt (Preferiblemente, la versión de Johnny Cash)
My Immortal - Evanescence (Si. Evanescence. ¿Problemas?)
Como te diré, Rosa, Yo Te Amo, Tengo, Dame Fuego - Sandro de América (La verdad sea dicha, hubiera puesto mas canciones de el, pero mejor lo dejo así)
Samson, Fidelity, Your Honor - Regina Spektor
Walk On The Moon, And Then He Kissed Me - Asobi Seksu
Drag, Without You I'm Nothing, I'll Be Yours, Every You Every Me, Special Needs - Placebo
Guilty Cubicles, I Slept With The Bonhomme At The CBC, Mossbreaker - Broken Social Scene (Tambien son mas canciones de fondo que cualquier otra cosa)
In The Flesh, Hanging On The Telephone, One Way Or Another - Blondie
I'm Gonna Make Him Mine (Tonight) - The Donnas
Sidewalk When She Walks - Alexisonfire
Too Cold For You, Hot Night Crash, If Anyone Matters It's You - Sahara Hotnights
Obstacle 2, No I In Threesome. Evil, C'Mere, NARC - Interpol
You Look So Fine, Milk, Medication - Garbage
Teardrop - Massive Attack (De nuevo, canción para terminar la noche)

Creo que esta es una lista razonablemente completa de canciones sobre aquello que La Guía del Viajero Intergaláctico recomienda evitar en la medida de lo posible... Pues nada, disfruten. Chau

Clara Rockmore - Clara Rockmore's Lost Theremin Album

El Theremin...De la misma manera que el trabajo en radares nos dio el horno microondas, la investigación de Léon Theremin (Lev Termen) sobre sensores de proximidad financiada por el gobierno soviético nos dejó un instrumento que en principio, fue patrimonio de las películas de serie B, pero que en su momento, fue explorado de manera juiciosa por algunos musicos, como Clara Rockmore, en el Clara Rockmore's Lost Theremin Album.

Sin ponerme demasiado técnico con el tema, el Theremin es uno de los instrumentos mas díficiles de controlar debido a su diseño. Al no requerir contacto directo del músico con el instrumento, el control del tono se convierte en una tarea complicada, a fin de cuentas, tampoco hay guías por el estilo de los trastes de una guitarra, así que que depende del control que tenga él músico sobre sus movimientos, siendo esto una de las razones que ha hecho que el instrumento sea visto mas como una novedad y un gimmick. Sin embargo, el entrenamiento clásico de Rockmore le dio una técnica que muchos thereministas no tenían, y que conjugada con su oído absoluto le daba grandes ventajas a la hora de ejecutar piezas en el Théremin. A fin de cuentas, tener la capacidad de reconocer cualquier nota tiene que ayudar a la hora de tocar un instrumento que puede producir notas de cualquier tono a lo largo de su rango.

Todas estas características se expresan en la sorprendente capacidad de Rockmore para explorar el potencial del instrumento, logrando producir un sonido que solo puede ser descrito como una combinación entre un violín, un cello y la voz humana. Acompañada de su hermana Nadia Reisenberg en el piano, Clara Rockmore presenta versiones fascinantes de Schubert (Ave María), Dvorak (Humoresque), Villa-Lobos (Aria de Baquianas Brasileras No. 5), entre otros, rematando el álbum con una versión de La Vie en Rose que es un final perfecto para mostrar el rango y capacidades del instrumento.

Otrora patrimonio de las películas de serie B, el Théremin, en las manos de Clara Rockmore, es un instrumetno fascinante y sorprendente, y el Clara Rockmore's Lost Theremin Album es una prueba de porque Rockmore es considerada una de las mejores exponentes del Théremin en la historia.

No hubiera escuchado este álbum de no haber sido por Grace. A Grace le gusta el té, pero no le gusta lavar los platos

Mastodon - Divinations

Conozco el buen Metal cuando lo oigo, y Mastodon es una banda de buen Metal. Como he dicho en otras ocasiones, hay que quitarse el sombrero cuando uno oye a una banda que logra crear un album entero basado en Moby Dick (Leviathan), y como mencionaba en el primer post de este año, se encuentran próximos a lanzar Crack The Skye, la continuación de su álbum de 2006 Blood Mountain, y cuyo primer sencillo, Divinations, está disponible en la página de MySpace de la banda.

Es una canción que se siente distinta a lo que ha hecho la banda de Georgia, mas no por ello es irreconocible con respecto a anteriores trabajos. El aspecto que mas resalta es el trabajo vocal, dejando de lado las partes excesivamente guturales para hacer uso de una voz que aunque rasgada, es reconocible. Con respecto al sonido en general, aunque sigue teniendo la batería imparable y rápida de anteriores trabajos, las partes mas melódicas de las guitarras han cambiado de una manera tan sutil que es dificil determinar la naturaleza de ese cambio, aun cuando se siente. Aunque sigue teniendo el peso y oscuridad de anteriores épocas, lo hace desde una dimensión distinta, tratando de crear una atmósfera que evoque todo ello.

Divinations se convierte en un excelente abrebocas para lo que será el cuarto álbum de esta banda de Georgia... Desafortunadamente, hay que esperar hasta el 24 de Marzo. Unas por otras, supongo

John Frusciante - The Empyrean

¿Que es ese olor en el aire? Oh si, es el aroma de nuevos proyectos en solitario de integrantes de bandas reconocidas, dentro de unos días NickelEye, el proyecto de Nikolai Fraiture (The Strokes) verá la luz, pero mientras tanto, echémosle una mirada a The Empyrean, nuevo álbum en solitario de John Frusciante, guitarrista de los Red Hot Chilli Peppers.

Una de las maneras en las que se puede describir el sonido de este album de Frusciante es 'Libre Asociación', como lo demuestra Before The Beginning, corte que abre el disco, que en sus 9 minutos apela a un beat de batería muy sencillo sobre el cual Frusciante elabora un complejo pero accesible trabajo de guitarra... Cada uno de los 12 temas del álbum parte de un punto determinado para terminar de una manera diametralmente distinta gracias a esta Libre Asociación que Frusciante le imprime a su música, con un carácter improvisacional pero al mismo tiempo metódico y pulido. Otra manera de describir el sonido del álbum es a través del lente del Rock con mas fuerte inspiración bluesera que se haya oido en un buen tiempo, como el caso de Unreachable, God, o Central, canciones con un sonido construido a partir de capas sucesivas de instrumentación que le dan un sonido complejo y agradable de explorar al álbum.

Otra de las agradables sorpresas del álbum es la voz misma de Frusciante, si en sus participaciones en los coros de RHCP siempre se caracteriza por un registro mas o menos alto, en varias de las canciones de este álbum sorprende con una voz que con un registro bajo le imprime mucha fuerza al sonido del álbum, aun cuando en One More Of Me se oye algo forzado por momentos.

Junto con Matt Bellamy, y Omar Rodríguez López, John Frusciante es uno de los mejores guitarristas que hay en la actualidad, con un sonido desprovisto de artificios The Empyrean es una visita a las raíces del Rock, presentándolas de una manera que sin sonar anticuada o anacrónica, nos recuerda lo que fue ese sonido, al mismo tiempo que nos muestra aquello de lo que puede ser capaz.

Albricias! Que es eso que veo ahi! Es un nuevo link en la sección de vinculos!! Asi es, ahora Artifacts Tshirts hace parte de la lectura recomendada de esta humilde paginita. Camisetas extremadamente coquetas, con las cuales cubrir nuestras vergüenzas.

A Camp - Colonia

Y ya se llegó Febrero. Por un lado es malo... Quiero decir, ya estamos en Febrero y esa odiosa sensación de 'No se ha hecho nada' sigue ahi, pero por otro lado, quiere decir que ya empiezan a salir los lanzamientos, como es el caso de Colonia, el segundo álbum de A Camp, el proyecto en solitario de Nina Persson (Vocalista de The Cardigans).

A pesar que la voz de Persson ha madurado desde sus comienzos en los Cardigans, sigue reteniendo una sorprendente sensación de dulzura, como lo muestra en Stronger Than Jesus, el sencillo inicial del álbum, y otras canciones como Here Are Many Wild Animals (Mas specíficamente, los coros), o My America; mientras que por otro lado, temas como Golden Teeth And Silver Medals, Chinatown y The Weed Had Got There First muestran una versión mas adulta y menos adolescente de la voz de la cantante sueca.

Musicalmente, es un álbum dificil de describir, si el primer álbum del proyecto, lanzado en 2001, tenía un marcado aire country, este segundo álbum toma prestado de varias inspiraciones para constituir su sonido.Como el nombre Colonia lo puede sugerir, hay un aire de antiguedad en el sonido de los temas evidenciado en primer lugar, a través de los arreglos de trompetas en canciones como The Crowning o de cuerdas en Love Has Left The Room, mientras que las letras, con sus referencias al Congo Belga, los Barrios Chinos y los desiertos africanos evocan la sensación de un imperio que está en decadencia, pero que combinado con la guitarra electrica y la voz de Nina Persson, recuerda que estamos en la primera década del siglo 21. No me parece descabellado decir que mas que ser un Pop Bárroco por el estilo de I'm From Barcelona, Colonia es un album de pop steampunk, con una peculiar combinación de elementos antiguos y nuevos que hacen de cada una de las 12 canciones de este disco una exploración intrigante y fascinante.

Con colaboraciones del calibre de James Iha, Colonia es la mejor elección para quienes quieren una experiencia musical elegante y sobria pero no pomposa, quienes están esperando un nuevo álbum de Los Cardigans, y quienes aun no nos recuperamos de la traga adolescente de Nina Persson.

Franz Ferdinand - Tonight: Franz Ferdinand

Evidentemente, mi lista de albums a los cuales echarle el ojo en 2009 estaba un pelín incompleta, porque dejé de lado álbumes que van a salir en este año tales como el de Yeah Yeah Yeahs, y el que nos ocupa en esta ocasión: Tonight: Franz Ferdinand, de Franz Ferdinand.

Hay una cosa que me molesta mucho cuando una banda está grabando un nuevo álbum, y esa cosa es el exceso de experimentación. No me malinterpreten, me encanta que una banda explore otras cosas y no se quede en el mismo sonido álbum tras álbum, pero en ocasiones simplemente 'experimentan por experimentar' y no sale nada bueno (Coldplay, los estoy viendo, en serio, que pasó en el Viva la Vida?). Y ciertamente temí eso mientras leía artículos sobre lo que estaban haciendo Alex Kapranos y cía, debido a los reportes de la significativa influencia del sonido dub en el álbum. Aunque de cuando en cuando me he encontrado moviendo el bote (hago lo mejor que puedo) con canciones de reggae, nunca creí que combinar ese sonido con las guitarras mod e interpolescas de FF fuera buena idea.

Sin embargo, la influencia de estsos sonidos es una influencia que se ve mas en espíritu que en el sonido per se. Desde su primer álbum, el sonido de Franz Ferdinand ha sido un sonido que cabe perfectamente dentro de los límites del Dance Rock o el Dance Punk, y este álbum asienta en esos terrenos a la banda con mas fuerza que nunca, manteniendo esa sensación de 'Noche de debacle' que se oía desde sus comienzos (Como lo demostró Darts of Pleasure). Canciones como Can't Stop Feeling, Dream Again, o Send Him Away muestran esto de una manera sorprendente, incluyendo elementos de sintetizador que sin sentirse fuera de lugar dentro del sonido mas 'tradicional' de la banda escocesa, si se pueden econocer con facilidad como influencias y expeimentaciones por parte de Franz Ferdinand, rematando el álbum con Katherine Kiss Me, un tema en el que una guitarra acustica y la voz de Alex Kapranos cierran el álbum de una manera tan sencilla y a la vez sorprendente que uno queda con algo de shellshock despues de oírla... como el vaso de jugo de naranja frío y el silencio de la mañana que contrastan con los tequilas y la música a todo volumen de la noche anterior.

Tonight: Franz Ferdinand es el ejemplo perfecto de como una banda debe experimentar con su sonido sin alejarse en exceso de sus raíces. Aunque Lucid Dreams es un tema que se siente demasiado largo e incluye quizá demasiadas cosas para su propio beneficio, es probablemente el único lunar en un álbum que demuestra porque Franz Ferdinand es una de las bandas mas importantes en salir durante esta década.

Hoy Lunes a las 8:00 de la noche, en El Kanal (Canal número 70 de Telmex), se presentará Conector, el proyecto de Héctor Buitrago y del que tuve ocasión de hablar en un post pasado. Es un proyecto realmente interesante al que les invito que le echen una mirada (La gente aun usa VHS para grabar cosas, no)

The Kills - Midnight Boom

Estoy a punto de hace una afirmación que probablemente me quite a 2 de mis 3 lectores: Hasta hace muy poco, lo único que había oido de The Kills era la participación de Allison 'VV' Mosshart en Meds de Placebo. La banda era una de mis muchas 'Asignaturas Pendientes': De esas bandas que se que debería pararles oreja pero que por X o W razón no les he puesto mucha atención, habiendome enterado que lanzaron un nuevo álbum (Midnight Boom) en 2008, pensé que era buena idea escucharlos y cruzarlos de mi lista de bandas que no había escuchado.

De la misma manera que muchas veces la gente confunde el término 'Bestiarista' con 'Malo', tambien suele confundirse el término 'Minimalista' con adjetivos como 'Limitado' o 'Chambón'. The Kills es prueba que semejante emparejamiento carece de todo fundamento. Midnight Boom sigue la línea de No Wow y Keep On Your Mean Side (Si, hice la tarea completa). Usando la sencilla pero poderosa combinación de Guitarra+Drum Machine+Otros Arreglos para crear canciones que se sienten completas, y demostando como en muchas ocasiones, 'Menos es Mas', y lo que se demuestra en canciones como Last Day of Magic o What New York Used To Be, mientras que en otros momentos forman un sonido que aunque similar al muro de sonido del shoegaze, no tiene la misma densidad de este, pero no por ello deja de ser intrigante. Goodnight Bad Morning, la canción que cierra el álbum es un contraste agradable con respecto a las canciones rápidas, de guitaras distorsionadas y beats igualmente alterados y secuenciados (Como en Cheap & Cheerful), mostrandonos una guitarra acústica, una percusión sencilla, y una nueva dimensión dentro de la voz de Mosshart.

Por otro lado, aunque ciertamente se ha notado un cambio en la voz de 'VV' Mosshart, en algunos pasajes del álbum, su voz se sigue sintiendo muy parecida a la de Shirley Manson de Garbage. algo que se sentía con mayor fuerza en anteriores trabajos pero que con el paso del tiempo ha disminuido gradualmente.

En una época en la que las bandas de Lo-Fi y Garage Rock están a 500 pesos la libra, es agradable ver bandas que realmente exploran el concepto y no tratan de simplemente salirse con la fácil. Aunque con algunos vicios, Midnight Boom es otro paso mas en la exploración que hace The Kills de las posibilidades de una guitarra, una máquina de secuencias, y una voz con agallas.

Conector

Esta semana tuve la oportunidad de asistir a una presentación de Conector, proyecto alterno de Héctor Buitrago (Aterciopelados) para el programa Nuestra Música, que será transmitido en Telmex la próxima semana (El Kanal, lunes a las 8 de la noche).

Habiendo escuchado el primer disco del proyecto, que contaba con colaboraciones de artistas como Julieta Venegas y Fernanda Takai (Vocalista de la banda brasilera Pato Fu), estaba realmente interesado en conocer que estaba haciendo el proyecto en este momento, encontrándome con una propuesta que difiere considerablemente de lo oído en el primer disco y que es, como el mismo Héctor lo define, una forma de 'Meditación Sónica Urbana', que según me explicó Héctor es producto de la experimentación con otros sonidos después de la grabación del primer álbum de Conector, aun así, mantiene el carácter de 'Mestizaje Musical' que tenía su anterior trabajo, aunque de una manera mas global por decirlo así; si en el primer álbum conjugaba con éxito elementos de la herencia cultural de toda SurAmérica, esta nueva versión de Conector tiene un carácter mas global, incluyendo cantos guturales de Mongolia y Tibet junto con la presencia del Diggeridoo australiano.

Junto con Ricardo Fernández en la guitarra y Samuel Alfonso en la voz, Buitrago ha logrado crear una propuesta de caracter enteramente ambiental a partir de una base constituida por el sintetizador, los efectos de la guitarra y voz, una base sobre la cual se combinan distintos elementos que dan pie a una colección de sonidos que se convierte en el telón de fondo ideal para los procesos meditativos que busca el sonido de Conector, una naturaleza meditativa que se ve potenciada por los montajes visuales de Claudia Tobón que logran tener un efecto similar al de una mandala cuando se conjugan con la propuesta sonica de Conector. En este sentido, la propuesta de Héctor Buitrago debe tomarse en consideración no solo desde su dimensión sónica, sino que tambien debe tener en cuenta su acompañamiento visual, así como su caracter improvisacional que da como resultado un sonido que puede llevar a quien lo escucha a través de un viaje similar al de Phillip Glass en la serie Qaatsi en la que se empieza en un lugar determinado, y antes de darse cuenta, se termina en otro lugar completamente distinto, con un cambio por dentro que requiere una cuidadosa introspección para determinar su naturaleza. En este sentido, Conector es una propuesta que requiere un esfuerzo por parte de quien la escucha para dejarse llevar por la música, un esfuerzo tanto a nivel psíquico en términos de una determinada disposición mental, como físico en términos de los efectos que trae sobre el cuerpo, lo cual puede o no ser algo a lo que la audiencia esté dispuesta desde el comienzo, pero no es algo que de alguna manera demerite a la propuesta per se.

De la misma manera que su primer álbum es una de las joyas no descubiertas de la música nacional, este nuevo camino que recorre Conector es una propuesta que requiere una mirada juiciosa, que va mas allá de la musica y se convierte en una experiencia que tiene efecto sobre todos los sentidos.

Y cierro con este video de Héctor hablándo sobre el trabajo con Fernanda Takai en el primer álbum de Conector (Perdonarán la interrupción abrupta):

The Loved Ones - Build & Burn

Aunque en los últimos 6 años mi gusto musical ha sabido crecer mas allá del Punk (No es que haya nada malo con ello), siempre habrá un lugarcito en mi corazón para las canciones de 3 minutos con guitarras fuertes, como es el caso de The Loved Ones, banda de punk de Philadelphia que presenta su segundo album de estudio, Build & Burn.

En sus 10 canciones y casi 33 minutos, la banda de Dave Hause, Mike Sneeringer, David Walsh y Chris Gonzalez recorre buena parte de lo que el Punk ha sabido ofrecer a lo largo de estos años. Las canciones del álbum están llenas de coros que invitan al sing-along sin ser cursis o forzadas de alguna manera, como ocurre con The Inquirer y Pretty Good Year, canciones que abren el álbum, al mismo tiempo que logran manejar el 'cambio de velocidades' de una manera sorprendentemente buena, como ocurre en Brittle Heart y Selfish Masquerade, canciones que se encuentran a la mitad del disco, y que por su naturaleza mas lenta (mas no por ello débiles o faltas de fuerza) dan ese efecto de 'Intermezzo' que preparan a quien escucha el álbum para 3rd Shift que con su caracter básico logra una sensación de fuerza y rápidez que se multiplica en Dear Laura, probablemente la canción de carácter mas político del álbum.

Producido por Pete Steinkopf y Brian Keinlen de The Bouncing Souls, y con participaciones de Franz Nicolay y Tad Kaubler de The Hold Steady, este álbum de The Loved Ones es la prueba que en el caso del Punk, la palabra clave es 'Evolución': Como el sonido de la banda va cambiando y madurando sin perder aquello que hace al género lo que es, la fuerza y las ganas de hacer las cosas a la manera propia

Prueba que es posible ser rudo y cursi

Se que quizá me estoy excediendo un poco con esto de los videos de YouTube, pero Enero es un mes tradicionalmente poco activo en lo que a lanzamientos se refiere, asi que tampoco es tan grave. De todos modos, algo como lo que voy a mostrar a continuación no se encuentra todos los días... Quiero decir, ¿cuando nos podemos encontrar con una versión en corrido de 'I Want You To Want Me' de Cheap Trick cantada por Gael García Bernal? Esta canción hace parte de la banda sonora de Rudo y Cursi. Disfruten, porque no hay nada mas ñoño que una versión en corrido de una canción setentera.



Les gustan las propuestas de diseño interesantes e intrigantes? Entonces les va a gustar Metralla Gráfica.

A Very Special Episode

Para ser honesto, dudé un poco sobre que tan necesario resulta escribir este post, a fin de cuentas, la poca gente que viene acá viene es a leer sobre música y no sobre política, pero la verdad es que el presidente de los EEUU es (Queramos admitirlo o no) el hombre mas poderoso del planeta, y dado que hasta el momento no tengo lectores de fuera de la Tierra, quizá si sea buena idea opinar algo al respecto.

Si alguien me hubiera preguntado sobre la posibilidad de ver a una persona negra llegar a la presidencia de los Estados Unidos durante mi vida, probablemente hubiera dicho que si, pero en un futuro mas o menos lejano, ciertamente no antes que llegara a cumplir 30 años, y mucho menos antes que terminara esta década, sin embargo, ocurrió, y mientras estoy escribiendo estas líneas, Barack Obama está a punto de tomar posesión como presidente de los Estados Unidos. A pesar de lo cacareda que se ha visto este término, realmente es un cambio, un cambio generacional en la política estadounidense y un cambio en la manera misma en la que se hace política y en la que la gente participa en ella, y la verdad sea dicha, toda la campaña presidencial de Barack Obama, la elección y la posesión de su cargo tienen una contagiosa sensación de optimismo y esperanza que le llega hasta a un cinico como yo, una sensación que, de alguna manera, las cosas no solo van a mejorar para el país del Baseball, los vaqueros y los Ramones, sino que van a mejorar para todos los que vivimos en este mundo.

Aunque obviamente, no todo es color de rosa, otra de las cosas que ha demostrado esta elección es el tremendo racismo que aun corroe a los Estados Unidos, la tremenda polarización que existe en ese país, y que en buena parte, es producto del efecto del fanatismo cristiano de ultraderecha que ha logrado tener en la psique colectiva norteamericana, y peor aun, el efecto de lo 'Políticamente correcto': Una odiosa forma de fascismo cultural que trata de eliminar las diferencias que nos hacen únicos y pone de manifiesto el temor irracional que tenemos los humanos a lo que es distinto de nosotros.

Como dice Harvey Dent en El Caballero Oscuro, "La noche es mas oscura justo antes del amanecer" y la aterradora verdad es que la noche aun no ha llegado a su punto de máxima oscuridad; asi como se vienen tiempos un poco mas oscuros para los EEUU, se vienen tiempos mas oscuros para el resto de nosotros, especialmente en este país. Aún así, la esperanza que logra ocultarse en mi eterno cinismo me dice que hay que esperar, que esa sensación de esperanza y cambio que invade el ambiente tiene que servir para algo y que las cosas van a cambiar.

Amanecerá y veremos.

Por cierto, Radio Galáctica (En la sección de Links) ya volvió al aire, eso es algo por lo que estar contentos.

To The Faithful Departed: Sleater-Kinney

No, no voy a hablar del álbum de 1996 lanzado por los Cranberries, pero me pareció un bonito titulo para hablar de una banda que ya no está con nosotros y que es de esas bandas que uno se pregunta ¿Porque se disolvieron? hablo de Sleater-Kinney.

Compuesta por Corin Tucker, Janet Weiss (Inserten chiste del Show de Terror de Rocky acá), y Carrie Brownstein en 1994, era una banda con un linaje harto significativo, Tucker había hecho parte de Heavens to Betsy y Cadallaca, mientras que Brownstein hizo parte de la banda de Queercore Excuse 17, ubicandolas en un sitio privilegiado a la hora de sacar un mensaje feminista que a la vez tambien tenía que ver con una perspectiva de género; Tucker y Brownstein fueron pareja en los comienzos de la banda (La canción One More Hour trata sobre su ruptura) y la banda participó con Fred Schneider en un álbum de beneficiencia para la secundaria Harvey Milk, un colegio de Nueva York para jóvenes LGBT. Por otro lado, Fueron una voz fuerte frente al sexismo que imperaba en el rock durante los 80 y 90 (Que a fin de cuentas, fue lo que originó el Riot Grrl), como lo mostró Tucker con el slogan "Show Me Your Riffs" (Muestrame tus riffs) en respuesta al "Show Me Your Tits" (Muestrame tus tetas) que tanto el público como las bandas popularizaron durante la década del 90, o su frase: "We just want to say that we're not here to fuck the band. We are the band" ("Solo queremos decir que no estamos acá para follar con la banda, Somos la banda") en respuesta a un incidente en el que fueron confundidas con groupies de Jon Spencer Blues Explosion. Estas tres mujeres de Olympia, Washington resultaron ser una voz significativa, válida e de gran peso en el panorama del Riot Grrl.

Musicalmente hablando, Sleater-Kinney es uno de esos hermosos ejemplos de una banda cuyo sonido madura con cada album que lanzan, haciendose mas pulido y solido, sin por ello perder su fuerza y contundencia. El sonido desinhibido e In-Your-Face de su álbum debut homónimo se transformó a lo largo de su discografía para dejarnos en su último album, The Woods, con un sonido en el que la improvisación hendrix-esca tenía lugar, como aparece en la canción Let's Call It Love, una maratón de 11 minutos con un impresionante solo de batería. La formación de 2 guitarras, en las que el estilo de Tucker hacía las veces de bajo, y la combinación de la voz de Carrie Brownstein con el vibrato de Corin Tucker daban como resultado la propuesta mas intrigante del Riot Grrl y una de las bandas mas interesantes de finales de los '90/comienzos de los '00.

En 2006, un año despues del lanzamiento de su ultimo álbum The Woods, la banda anunció un paro indefinido, motivadom principalmente por el hecho que Corin Tucker acababa de dar a luz a su hijo y consideraba poco probable la salida de otra grabación despues de The Woods, dejándonos una carrera de 12 años, 7 álbums y una marca crucial en el panorama del Riot Grrl.

To The Faithful Departed volverá dentro de poco con The Blood Brothers.

A Camp - Stronger Than Jesus

Por esas curiosas coincidencias de la vida, Mientras hablaba del próximo álbum de Nina Persson, me encontraba con el hecho que el primer sencillo del mismo, titulado 'Stronger Than Jesus' ya ha sido lanzado y está disponible para ver en YouTube.

Quienes hemos oido a The Cardigans a lo largo de los años nos hemos encontrado con la agradable evolución que ha experimentado la voz de Persson, pasando de ese tono 'cute', sacarinoso y ciertamente adolescente de las épocas de LoveFool a una voz un poco mas ruda, un poco mas sugerente pero igualmente hermosa de canciones como If There Is A Chance o la hermosamente brutal And Then You Kissed Me, un cambio que permite ver a Nina Persson como una de esas mujeres que han causado la perdición de mas de un hombre, y que detrás de esa imagen de seguridad hay un historial de corazones rotos y algo de tragedia. Stronger Than Jesus es todo eso, y mas; mientras que el sonido nos recuerda a una combinación de los dos últimos álbumes de The Cardigans, la letra es un gancho a la mandibula con frases como "You know that Love can do you like a Shotgun".

Aqui está el video de la canción, un medley de todos los clichés de Eurovision que se amolda de manera perfecta a la canción.

Cat Power - The Dark End Of the Street

Junto con Nina Persson, podría decirse que Chan Marshall (Tambien conocida como Cat Power) es una de mis 'teenage crushes' en lo que a música se refiere, no solo por el hecho que es una mujer hermosa, sino porque la música que hace es de las cosas mas interesantes que se han oido en los últimos años. En mayo del año pasado tuve la oportunidad de verla en vivo (Lo que realmente no creí posible), quedando gratamente soprendido con lo que vi, una presentación pulida y elegante, que se distanciaba de los reportes de conciertos en los que paraba las canciones a mitad de camino y otras cosas por el estilo.

Su EP The Dark End Of The Street, lanzado a finales de 2008, continúa mostrando el cambio en el sonido de Cat Power que fue inaugurado en su mas reciente álbum, Jukebox, un sonido menos experimental y mas bluesero, que aumenta en una forma exponencial la cualidad atmosférica de la música de Marshall, con su suave voz de acento sureño flotando sutilmente sobre la melodía, dándole a las canciones de The Pogues, Nina Simone, Otis Redding, Creedence Clearwater Revival, Sandy Denny y Aretha Franklin que componen este EP una nueva lectura.

Como suele ocurrir en el caso de un artista que lanza un EP poco depsués de un album, las canciones que componen The Dark End of the Street son canciones que por x o w razón no entraron en el Jukebox, sin embargo, no deben considerarse como canciones de segunda o algo por el estilo; aunque es cierto que dada su similitud con el álbum que le precedio "ni quita ni pone" dentro de la discografía de la talentosa Srta. Marshall, es un buen tentempié mientras su nuevo álbum de estudio (que según la revista Spin se encuentra preparando) ve la luz.

En otras noticias, he añadido a la sección de links a RadioCapsula, un excelente sitio de música al que vale la pena echarle un ojo, también, en la medida que mi experticia me lo permita, empezaré a cambiar el diseño del blog.

Aaaaaand I'm Back

Y Ñoñerismo Musical hace su regreso triunfal en este 2009 despues de un 2008 que terminó algo accidentado (por usar un término). A quienes siguen esta página con regularidad les doy una bienvenida, y para volver al ritmo de competencia, pensé que era una buena idea mencionar algunas bandas que lanzarán sus nuevos álbumes en este 2009 y a las que resulta necesario echarles un ojo.

A Camp: La hermosa y talentosa Nina Persson vuelve con su proyecto en solitario después de su muy interesante primer álbum de 2001. Titulado Colonia y con colaboraciones de la talla de James Iha, este álbum promete una dirección distinta tanto lirica como musicalmente hablando con respecto al trabajo de 2001.

Mastodon: Una de las mejores bandas de Metal de esta década ataca de nuevo con el sucesor al Blood Mountain, con Crack the Skye, basado en la Rusia Zarista y con un mood mas etéreo pero a la vez mas oscuro que tambien parece ser una desviación con respecto a lo mostrado en álbumes como Leviathan y Blood Mountain.

LostProphets: Tres años despues de su controvertido Liberation Transmission, la banda galesa presentará su cuarto álbum, It's Not The End Of The World But I Can See It From Here, que a diferencia de los álbums anteriormente mencionados, parece representar un regreso al sonido mas duro de la banda que vimos en su primer álbum combinado con una inspiración lírica mas oscura.

Alexisonfire: Despues de Crisis, los 5 de St. Catharines, Ontario presentan Young Cardinals, un album prometedor tras las declaraciones de George Petit en las que afirma que AOF quiere ser la banda que clave el puñal en el screamo con un álbum mas pesado en términos de su atmósfera.

Sahara Hotnights: A juzgar por lo oido en su sencillo In Private (cover de Dusty Springfield), estas encantadoras señoritas suecas seguirán con el camino marcado en su album mas reciente, con un sonido mas sofisticado y que en ocasiones llega a recordar a bandas como Goldfrapp. Amanecerá y veremos.

Junto a estos álbumes, bandas como The Strokes tambien estarán metiendose al estudio para grabar nuevos proyectos. Además de estos lanzamientos, ¿Cuales otros esperan ustedes?