De Narices Que Crecen Y Vidrios Rotos

Como es razonable suponerlo de alguien que pone en su Top 3 de bandas favoritas a Los Misfits, y como una de sus peliculas favoritas Freaks, la festividad antes conocida como Samhain, ahora conocida como Halloween, y/o Noche de Todos los Santos...No es algo que tenga que ver con un interés en lo oculto o algo parecido, simplemente me gustan las imagenes asociadas a la celebración y me parece que es una buena excusa para ver peliculas como la antes mencionada, El Show de Terror de Rocky, o La Casa de los 1000 Cuerpos. Con eso en mente, pensé que era buena idea hacer una pequeña lista de canciones apropiadas para la fecha y que no deberían faltar en una fiesta de 31 de Octubre.

Thriller - Michael Jackson
Halloween - The Misfits
Astro Zombies - The Misfits
Dig Up Her Bones - The Misfits
Pet Sematary - The Ramones
Texas Chainsaw Massacre - The Ramones
Sheena is a Parasite - The Horrors
Monster Mash - Bobby 'Boris' Pickett (Aunque tambien es recomendable la versión de Los Misfits en su álbum Project 1950)
Am I Demon - Danzig
Ghouls - HorrorPops
Where They Wander - HorrorPops
Thunderkiss ' 65 - White Zombie
Dragula - Rob Zombie
Yo Pumpkin Head - Yoko Kanno & The Seatbelts (Para poner las cosas un pelín mas festivas)


De momento, son las canciones que se me ocurre pueden servir para animar un jolgorio en estas fechas...Pienso un poco en el hecho que quizá suene un poco pretencioso y hasta paternalista de mi parte decir esto, pero aqui va: En muchas ocasiones es simple amarillismo de los medios, acompañado del fanatismo de una que otra beata, pero la triste verdad es que hay cada enfermo dispuesto a hacer daño en estas fechas, asi que en el caso de que alguna de las personas que lee esta página se decida a llevar a un niño a pedir dulces, nunca hay suficientes precauciones: Llevénlos de la mano y no los suelten bajo ninguna circunstancia, especialmente si van a un sitio publico como un centro comercial, si hay alguien de aspecto sospechoso rondando por ahi, lo mejor es dar aviso a alguna autoridad e irse lo mas rápido posible, y por favor revisen cada dulce que les den a los niños, y asi asegurarse que no esté adulterado o algo peor.

En otras noticias estaré en Rock al Parque el sábado, domingo y lunes. El post del lunes será algo pequeño y sustancioso, probablemente que tenga que ver con las elecciones de EEUU, el miercoles todo volverá a la normalidad y en la medida de lo posible, hablaré sobre el festival. Si van a Rock al Parque, diviertanse, pasenla bien y no hagan nada estupido.

Ah si, y feliz Halloween para todos

Snow Patrol - A Hundred Million Suns

Hay algo peculiar en la imágen de los chicuelos de Snow Patrol... Es hasta cierto punto lo mismo que ocurre con Coldplay y es esa aura de 'buenos chicos' que emiten, dan la impresión de ser la clase de sujeto que las mamás quieren como novios para sus hijas, y para rematar hacen música, como nos lo muestra su álbum mas recente, A Hundred Million Suns.

La primera vez que hablé de Snow Patrol en este blog, comentaba como son la encarnación mas mainstream de la idea del rock de garaje, con una imagen mas limpia que, por ejemplo, Arctic Monkeys, a la vez que tienen un sonido mas pulido y radio-friendly, con una inspiración lírica que tambien es distinta, lejos de noches de licor y unos cuantos puños, las canciones de Snow Patrol giran alrededor de relaciones, bien sea que estén iniciando, estén en su mejor momento, o estén yendose por el drenaje.

En ese sentido, A Hundred Million Suns marca una diferencia con respecto a su anterior álbum Eyes Open, mientras que su álbum de 2006 tenía canciones como Open Your Eyes, Chasing Cars o Set The Fire To The Third Bar (esta última con la colaboración de Martha Wainwright), canciones que hablaban de aquello que podía ser y no era, de lo que se quería con desesperación y de lo que se estaba irremediablemente alejado, las canciones que componen la grabación de 2008 se centran en el momento de la relación cuando esta está funcionando, centrandose en esos pequeños momentos de cotidianidad a los que uno se aferra despues, detalles pequeños como la forma en la que se enreda su pelo, sus gestos al comer o un ligero pero significativo roce de pieles, Crack The Shutters Open es una canción que habla de manos frías al despertar y como la luz del sol se enreda en el rostro y cuerpo de una mujer, mientras que The Planets Bend Between Us habla de ese momento inevitable en el que uno quiere gritar a los cuatro vientos que todo lo que hace y vive es en función de esa persona, a la vez que The Golden Floor juega con una sensación tan básica pero a la vez tan fundamental como sentir el cuerpo de alguien cerca al propio y todo lo que pasa por la cabeza en ese momento.

A pesar de las diferencias en el material lírico, A Hundred Million Suns sigue el camino trazado por Eyes Open
en términos de su sonido; apoyados en la continuidad de la producción de Jacknife Lee, este álbum sigue en el camino de lo pulido, añadiendo arreglos de teclados y cuerdas que elevan el coeficiente de radio-friendliness del álbum.

En un mundo donde esos términos (Radio-friendly y Mainstream) son utilizados con carácter peyorativo, este nuevo álbum de Snow Patrol demuestra que eso no es necesariamente cierto, que a la vez que se puede 'paladear a las masas' es posible crear algo con caracter y peso, como lo es este álbum.

The Raveonettes - Lust, Lust, Lust

Escuchar a The Raveonettes es como escuchar al hijo bastardo de Ronnie Spektor y Jesus & Mary Chain. El sonido de Sune Rose Wagner y Sharin Foo le pide prestado tanto a las guitarras y los beats propios del sonido de los '60 como al muro de sonido y al reverb infernal de finales de los 80 y principios de los 90, y esta combinación se hace mas notoria en su cuarto álbum, Lust, Lust, Lust, lanzado este año.

Desde sus comienzos, la banda ha sido bastante directa a la hora de dejar ver a quienes han influido en su sonido, a fin de cuentas, en su anterior álbum Pretty in Black, colaboró nada mas y nada menos que Ronnie Spektor, y fue producido por Richard Gottherer, responsable de canciones como I Want Candy. A pesar de ello, este álbum evoca un feel distinto a sus anteriores trabajos. Producido enteramente por Sune Rose Wagner, se inclina mas hacia el muro de sonido y al reverb que al feel sesentero, con lo que este es, hasta el momento, su álbum mas minimalista; un minimalismo que viene dado por la sensación que deja el sonido del álbum en quien lo escucha, con el valor agregado del trabajo vocal tanto de Wagner como de Foo, aunque no son precisamente vocales susurradas, si se pierden un poco dentro del muro de sonido de las guitarras, haciendo que el sonido de este álbum se asocie mas con el Shoegazer que con cualquier otra cosa, como lo muestran canciones como Expelled from Love, Aly, Walk With Me con el brutal muro de sonido que construye hacia el final de la canción. Por otra parte, la batería en canciones como la apropiadamente llamada Lust parece sampleada del mismísimo PsychoCandy, lo cual no debe tomarse como algo negativo, sino como un testimonio mas del sonido y las influencias que inspiran este álbum.

Por otro lado, canciones como Sad Transmission, Blitzed o You Want The Candy (Un titulo bastante irónico si me lo preguntan) nos demuestran que Wagner y Foo no han olvidado de donde vienen: Canciones con armonías que recuerdan a los buenos días del surf rock e invitan a intensivas sesiones de rockanroleo.

Contrario a otras ocasiones, este album no es un buen punto de inicio para conocer a este dúo Danés, es mucho mas recomendable familiarizarse con sus anteriores álbumes antes de llegar a Lust, Lust, Lust, sin embargo eso no debe interpretarse como una falta de méritos del álbum, no por nada lo considero uno de los mejores álbumes de esta década, y es altamente recomendado para aquellos a quienes nos gusta el shoegaze.

Kate Nash - Made of Bricks

Como lo comentaba a la hora de hablar de The Ting Tings, podría decirse que estamos ante una nueva invasión de Brit Pop, siendo esta nueva versión mucho mas pop que aquella con la que nos encontramos en la década de los 90. Y dentro de los nombres que hacen parte de esa invasión está Kate Nash, cuyo álbum Made of Bricks es el que nos ocupa en esta ocasión.

Tanto la portada del álbum, como la imagen misma de Nash y el sonido del álbum en general evocan una sensación de algo que es juguetón, simpático y lleno de colorido. Al oir canciones como Foundations, Mouthwash, Mariella, Pumpkin Song o Skeleton Song es inevitable pensar en pasteles de fresas con crema batida, medias de color azul cielo con lunares blancos, y chicas pelirrojas de flequillo a las que les gusta usar esas medias. Es un sonido dulce, pero dulce como el azucar natural, no como el Aspartame y el NutraSweet, lleno de melodías que uno puede escuchar a las 7 y 37 de la mañana en el bus camino al trabajo y te dejan con una sonrisa en la cara a pesar de lo atestado que está el bus, y hacen que se llgue al trabajo con una sonrisa en la cara, y que sea mas fácil lidiar con algun compañero de trabajo dispuesto a clavarle el puñal en la espalda a uno.

Aun asi, no todo es dulzura en el mundo de Kate Nash, y así como sus melodías son tan dulces como un brownie con arequipe, las letras de sus canciones son como pegarle un mordisco a un limón grande y maduro. Al ponerle atención al contenido lírico de las canciones que componen el álbum, es fácil darse cuenta que Nash le ha puesto mucha atención a la idea de la escritura de canciones como un método terapeutico; Así como Foundations tiene una melodía dulce y encantadora, la letra de la canción es todo lo contrario, hablando de una relación que no va para ningun lado: 'Then you'll call me a bitch, and everyone we're with will be embarrassed, and I wont give a shit' (Entonces me llamarás 'perra', y todos con los que estamos se avergonzarán, y no me importará ni mierda'), y aun cuando no va a ningun lado, ambos se aferran a ella de una manera mas bien patética, mientras que Merry Happy habla de lo que pudo ser y no fue: 'Don't you try and tell me that never loved me, Coz I know that you did, Coz you said it and you wrote it down' (No trates de decir que nunca me amaste, porque se que lo dijiste, porque se que lo escribiste).

Mención aparte merece Nicest Thing, una arrolladora combinación entre una sencilla instrumentación y arreglos, y la voz de Nash que deja su tono de adolescente juguetona para mostrarnos a una mujer que ha amado y perdido, pero que está dispuesta a entrar a la pelea de nuevo.

Con una estética que parece sacada de un libro de Roald Dahl, y un sonido que a la vez que es encantador habla del amor la perdida, y los corazones rotos, Made of Bricks es un album altamente recomendado, mientras se espera al siguiente album de Nash, que estará listo para el siguiente año.

En Avisos Parroquiales, la programación de la edición número 14 de Rock al Parque ya está disponible...Sin lugar a dudas, esta promete ser de las mejores ediciones del festival en un buen tiempo, tomando en cuenta las banderillas de los invitados. A fin de cuentas, ver a Ratos de Porao, Carcass, Odio a Botero, Babasónicos, Bloc Party y Black Rebel Motorcycle Club en un mismo escenario no es algo que ocurra con mucha frecuencia.

Sigur Rós - Með suð í eyrum við spilum endalaust

He de ser brutalmente honesto en esta ocasión (No quiero decir que en otras ocasiones no lo haya sido, sino que en esta lo soy de una manera brutal): Si alguien me pregunta si me gusta Sigur Rós, la respuesta es No. Mi descontento con ellos tiene que ver con sus primeros álbums, Von, Agaetis Byrjun y ( ). Esos tres álbums, especialmente el tercero, se me hacen increiblemente etereos, y por lo tanto, dificiles de anclar. Al escucharlos, siempre quedo con esta sensación de no saber que escuché realmente, a pesar de ello, en los últimos años me he tenido que tragar mis palabras un poco, con sus mas recientes álbums, Takk... y el que me ocupa en esta ocasión, Með suð í eyrum við spilum endalaust.

Si he describir el sonido de la banda islandesa en este álbum con una sola palabra, creo que esa palabra sería celebración, aunque ciertamente no han dejado del todo atrás ese sentido de hermosa melancolía que acompañaba a sus anteriores trabajos, como lo muestra de manera tan contundente su canción Staralfur, este nuevo album sigue el camino que empezó a trazar Takk..., su album del año 2005; en Með suð í eyrum... canciones como Gobbledigook, Inní mer sur syngur vitleysyngur, Við spilum endalaust, Með suð í eyrum o la aptamente llamada Festival (que por cierto, tiene uno de los finales mas hermosos que he oído en un buen tiempo para una canción) son temas que ponen de manifiesto el carácter festivo, alegre, y si me permiten el término, ciertamente juguetón que tiene este nuevo álbum de Jónsi & Cía. Un carácter que empieza a manifestarse desde la misma portada del álbum, con su fotografía de cuatro personas haciendo Streaking.

Creo que el cambio mas importante que tiene este album es el cambio tan significativo que ha tenido Sigur Rós en la instrumentación y en los arreglos, y que es un cambio que viene desde Takk... aunque sigue teniendo un carácter minimalista, se podría decir que es una clase distinta de minimalismo, uno mucho mas orgánico y menos etéreo, por lo que la experiencia de escuchar el álbum deja a quien lo hace con la sensación de haberse encontrado con algo tangible y anclable a una experiencia, lo que realmente no ocurría con sus anteriores producciones.

Aun asi, este álbum aun tiene algo para complacer a los admiradores del sonido 'Vieja Escuela' de la banda, como lo demuestra Festival, aunque su segunda mitad es todo lo que he mencionado hasta el momento, la primera parte es todo lo que era Sigur Rós antes, y uno no puede dejar de pensar que quizá la canción estaba mejor partiéndola en dos... a fin de cuentas, junto con Ára Bátur, es la unica canción del album que coquetea con los 9 minutos de duración.

No tengo ningun problema en admitir que tengo que tragarme mis palabras en lo que a Sigur Rós se refiere, por lo menos, con este álbum: mostrando un sonido que sigue siendo filosoficamente fiel a los anteriores trabajos de la banda, Sigur Rós muestra en Með suð í eyrum við spilum endalaust un sonido que tambien puede ser de mas fácil acceso y que resulta ser una experiencia altamente reconfortante y recompensante.

Where The Grrls Are...

Me gusta creer que el hecho que ocasionalmente me fije en alguna peculiaridad de mi colección de música es un testimonio del hecho que estoy calificado para hacer el trabajo que hago, en esta ocasión, me fijé en el hecho que existe una representación mas o menos equitativa en lo que se refiere a género... Y eso me hace pensar un poco en el lugar que ha ocupado la mujer en la música en los últimos años.

La verdad es que infortunadamente, el lugar de la mujer se ha visto influido por el lugar que ha adquirido en la sociedad occidental, y mas especificamente, del lugar que ha adquirido dentro de la cultura blanca anglosajona. En una sociedad donde el ser blanco, anglosajón y de clase media era, por lo menos, la garantía de una vida sin muchas premuras, la mujer vino a ser relegada al lugar de un objeto, algo para ver y admirar sin tener un interés por aquello que tenga que decir y/o opinar. Para ilustrar mi punto, remitámonos al mainstream de los años 60, cuando el Rock estaba en su primera infancia para darnos cuenta que el cromosoma XX estaba relegado a un lugar de 'mirar, pero no tocar', determinado por la forma de participación que tenían en la música de la época: Aunque eran protegonistas de las canciones, por alguna misteriosa razón se veían relegadas a la categoría de 'Objeto Inalcanzable' o 'Despiadada Rompecorazones'; al mismo tiempo, el lenguaje que se usaba en las canciones tenía un dejo bastante incómodo, usando constantemente el término 'girl' (chica) en lugar de 'woman' (mujer), aunque para ser honestos, ese era mas bien un sintoma de toda la cultura popular: por ejemplo, en Los Cuatro Fantásticos y los primeros números de los Hombres-X, los personajes de Sue Storm y Jean Grey usaban los nombres clave de 'Invisible Girl' (Chica invisible) y Marvel Girl (Chica maravilla), no sería hasta varios años que cambiarían sus nombres a 'La Mujer Invisible' y 'Fénix'. Por otro lado, la participación de las mujeres en la música de la época estaba reducida a un pop sacarinoso que aunque interesante musicalmente hablando, no era precisamente el paraíso de la igualdad de la mujer, con canciones cuyas protagonistas a la luz de hoy, perfectamente calificarían como victimas de abuso emocional por parte de los patanes con los que estaban saliendo. Sin embargo, cabe anotar que fuera del mainstream la situación no era asi, mujeres como Billie Halliday o Ella Fitzgerald estaban dentro de sus respectivos géneros en una situación de paridad, o incluso, de superioridad con respecto a los hombres, fue esta situación, junto con los cambios sociopoliticos de la época que se pavimentó el camino para mujeres como Janis Joplin.

La década de los 70 llegó de la mano con el movimiento de liberación femenina. Artistas como The Runaways, Suzi Quattro y Joan Baez siguieron el camino trazado por Joplin. Las primeras, aunque habían sido pensadas como un proyecto manufacturado, terminaron mostrando un Rock & Roll extremadamente honesto, que vendría a estar relacionado con la revolución Punk; mientras que Baez se apegó a un sonido mas folk que le hacía un complmento harto interesante al sonido de Bob Dylan. Al mismo tiempo, la revolución que se estaba gestando en las calles de Nueva York y Londres tenía un aporte muy importante de las mujeres, como lo testimonian la importancia de nombres como Patti Smith y Deborah Harry en Nueva York, o Chrissie Hynde, Ari Up, Poly Styrene y Vivienne Westwood en el movimiento punk inglés. El rock dejaba de ser un 'Ol' Boys Club' para convertirse en un espacio mucho mas pluralista, con mas voces que a su vez tenían mas temas y situaciones sobre las cuales hacer música, con inspiraciones que no solo venían de su historia de vida sino de la literatura con la que habían tenido contacto como Rimbaud o los autores de la generación Beat.

Desafortunadamente, esa situación cambiaría en la década de los 80. La llegada al poder de Ronald Reagan y Margaret Thatcher al gobierno de los EEUU y el Reino Unido respectivamente, trajo como consecuencia la intrusión del estilo de vida yuppie como la norma. Como consecuencia, el Rock se convirtió en una burla de si mismo; las bandas de Hair Metal se convirtieron en la norma y no en la excepción: Van Halen, Poison (Como quizá algunos de ustedes ya se hayan dado cuenta, Bret Michaels es mi archi-nemesis), WhiteSnake y un larguisimo etcétera volvieron a poner a la mujer en la categoría de objeto, al mismo tiempo que las propuestas hechas por mujeres que llegaban al mainstream solo eran una contraparte a lo que hacían los hombres, como en el caso de The Bangles, o incluso de Joan Jett. En el ruido ensordecedor que se había creado, lo que hacía alguien como Kate Bush quedaba irremediablemente perdido en el ruido, por otro lado, el movimiento punk, que vino a convertirse en el HardCore de los 80 terminó por transformarse en una escena extremadamente excluyente. A pesar de ello, los últimos 20 años han representado un cambio en esa situación (Como lo mencionaba en otras ocasiones, me resulta muy dificil creer que esta década ya esté llegando a su fin). La revolución gestada por el movimiento Riot Grrrl a la cabeza de Kathleen Hanna recuperó la voz que las mujeres parecían haber perdido en la música, al mismo tiempo que empezaron a aparecer nombres como Björk, o PJ Harvey que siguen mostrando propuestas muy válidas hoy en día, al mismo tiempo que alguien como Alanis Morrisette se dedicaba a darle la voz a la mujer y a la adolescente que habían sido objetivadas por tanto tiempo y que oh, sorpresa! tambien tienen algo que contar.

Es mucho el camino que se ha recorrido, pero al mismo tiempo, es mucho el que queda por recorrer para que haya una verdadera igualdad de géneros en lo que a música se refiere. Y esta nueva serie de posts va a echarle una mirada al asunto. Así que los admiradores de Joan Jett, Lita Ford, Cat Power, Deborah Harry, PJ Harvey, Shirley Manson, Patti Smith, Siouxsie Sioux, Björk, Kate Bush, Neko Case, Sahara Hotnights, The Donnas y un larguísimo etcétera deberían estar pendientes.

Me creerían si les digo que existe una versión Latin Jazz de Breaking The Law?

Me creerían si les digo que la pueden escuchar acá?

Mogwai - The Hawk Is Howling

Esta reseña hace parte de un ejercicio harto interesante, creo yo. Junto con Gloria (de Jurado por Madonna), hemos elegido un álbum que será reseñado por cada uno muy a su manera y muy a su estilo...Como resulta razonable suponerlo, les invito a que tambien lean el ejercicio realizado por Gloria, junto con las otras mucho muy interesantes reseñas que ha escrito en su página.

Como me ocurre mas de una vez con las bandas y artistas que escucho, el conjunto post-rock escocés Mogwai era una de esas bandas de las que siempre había oido hablar (y bastante bien, por cierto), pero nunca me había sentado a escuchar con verdadero juicio, fue hasta comienzos de 2006 cuando me decidí a hacerlo gracias a las menciones que se hacían de la banda en Questionable Content de Jeph Jacques, sin duda alguna, uno de los mejores webocmics que existe en la actualidad (Aunque esa es historia para otro día). Para cuando los descubrí, su álbum Mr. Beast acababa de salir, por lo que es hasta ahora que siento con Mogwai esa emoción que solo es posible cuando una banda que le gusta a uno lanza un nuevo álbum, en este caso, su mas reciente esfuerzo se titula The Hawk Is Howling.

Si alguien me pregunta en que consiste Mogwai, me atrevería a decir que el sonido de estos cinco escoceses puede definirse como una clase de 'Rabia A Punto De Estallar' que sin duda alguna, resulta producto de la combinación entre un sonido pesado y distorsionado que le dan a sus guitarras junto con los arreglos de batería y teclados que complementan a las guitarras de Stuart Braithwaite y John Cummings...una cualidad que sin duda alguna se ve a lo largo de este álbum; mientras que canciones como I'm Jim Morrison, I'm Dead. I Love You, I'm Going To Blow Up Your School. Scotland's Shame. The Precipice y Danphe And The Brain se sienten como el paseo que alguien increiblemente enojado da por el espacio reducido del cuarto al que se ha visto confinado, Batcat, e incluso el final de The Precipice es la explosión de esa rabia: El hombre encerrado acaba de salir y toda esa rabia que estaba atrapada explota contra lo primero que encuentra a su paso.

Mención aparte merece The Sun Smells Too Loud, que curiosamente, aparece hacia la mitad del disco, dando un agradable efecto de 'Intermezzo'. Como lo han demostrado algunos de sus EPs, y la participación de la banda en el Silent Alarm Remixed de Bloc Party, Mogwai no es una banda que le haga el feo a la idea de una remezcla; en ese sentido, este tema no solo es el mas apropiado del album para recibir el tratamiento, sino que además, tiene la asombrosa propiedad de ser bastante rítmico y algo relativamente bailable (una propiedad desconocida para la música de la banda que se llama como los espiritus perniciosos de la mitología china). La combinación del ritmo de la batería junto con el riff de la guitarra en esta canción, hacen que uno en algun momento se encuentre moviendo la cabeza o tamborileando el piso con los pies mientras escucha el tema.

The Hawk Is Howling tiene el aspecto y el feel de una montaña rusa emocional, con partes de tensa calma, de rabia desatada y muy extraña relajación, como lo condensan las 3 Bonus Tracks que acompañana este álbum: Dracula Family, Stupid Prick Gets Chased By The Police And Loses His Slut Girlfriend, y Devil Rides, la única canción con parte vocal del álbum. Despues de 6 álbums (incluyendo a este), nos muestra a una banda madura y bien compenetrada con su sonido; es, sin duda alguna, uno de los álbums mas importantes que ha visto la luz en el 2008 y es altamente recomendado.

Santa Cachucha chicos y chicas! Mi reseña del concierto de CARAJO; Odio a Botero y El Sie7e fue publicada en el sitio de EJE Records! una vez mas, le agradezco a Andrea de EJE Records el haber publicado la reseña.

Broken Social Scene Presents: Kevin Drew - Spirit If...

Lo prometido es deuda...en parte. Aunque no he podido encontrar una copia de Something For All Of Us para reseñar (como lo había prometido), no tuve dificultad para encontrar una copia del protagonista de la presente reseña, y ciertamente, no podía dejar pasar la oportunidad.

Cuando alguno de los miembros de una banda decide hacer un proyecto en solitario, como John Frusciante en los Red Hot Chili Peppers, o Albert Hammond, Jr. en Los Strokes, siempre trato de poner bastante atención. Porqué? Porque es una forma bastante interesante de hacerle 'Ingeniería Inversa' al sonido de dicha banda. Es posible entender cual es la contribución de ese músico en particular a la propuesta del grupo en general, y una vez se ha descubierto eso, cuando se vuelve a escuchar al grupo, la experiencia es mas recompensante por cuanto se tiene un mayor conocimiento de la banda en cuestión.

Ciertamente este es el caso con Spirit If... Cuando hablaba de Broken Social Scene, comentaba como sus primeros álbums tenían una vertiente decididamente Ambient, y si me permiten el atrevimiento, tambien tenían unos muros de sonido que recordaban al My Bloody Valentine de sus mejores épocas (Lo cual tiene un tufillo a redundancia porque MBV nunca ha tenido malas épocas), y al escuchar este álbum, uno se da cuenta que buena parte de esas propiedades del sonido de BSS son obra de Kevin Drew. En ese sentido, canciones como Farewell to the pressure kids, la canción que abre el álbum, junto con Frightening lives, Back out on the..., Underneath the Skin, When it begins, Aging faces/Losing places, o Gang bang suicide tienen ese caracter que se veía con mas fuerza en Feel Good Lost, primer album del colectivo canadiense: Canciones llenas de overdub tras overdub que logran crear el ya mencionado muro de sonido, una presencia constante y dificil de describir con exactitud, y que lejos de tener una naturaleza ominosa, en ocasiones llega a ser increiblemente seductora.

Agarrar mañas o expresiones de las personas que conocemos es algo inevitable: Permaneces el suficiente tiempo en la compañía de alguien, y antes que te des cuenta, has adoptado una que otra expresión de esa persona, o tu forma de caminar ha cambiado un poco o cualquier otra cosa, y al oir este álbum, es evidente que lo mismo le ha pasado a Kevin Drew, pues así como hay canciones que recuerdan al sonido mas etereo de BSS, tambien hay otras que ponen de manifiesto la cualidad de 'Pop Barroco' o 'Pop de Camara' de Broken Social Scene, y que puede interesar a quienes hayan oido a I'm From Barcelona (De quienes ya había hablado en otra ocasión), como se ve en Tbtf, F---ed up kid, Safety bricks, o Lucky ones. Sin embargo, el hecho que esas canciones se encuentran juntas dentro del tracklist del album (lo que tambien ocurre con las canciones que había mencionado con anterioridad) le quita un poco de naturalidad al álbum, probablemente, su único punto flaco.

En varios de los distintos álbums que he tenido la ocasión de reseñar hasta el momento, comento como se convierten en excelentes puntos de entrada para conocer una banda. lo mismo ocurre con este disco, que se convierte en una excelente síntesis del sonido de Broken Social Scene, al mismo tiempo que permite escuchar la voz propia de Kevin Drew.

Carajo, Odio a Botero y El Sie7e - Octubre 10 de 2008

Del punk se dicen muchas cosas... Que es mediocre, que no es mas que pop acelerado (con lo cual estoy muy de acuerdo), que es muy buena escuela para arrancar a hacer música, que dentro de 50 años bandas como Los Ramones van a tener el estatus de Los Beatles, en fin... Se dicen muchas cosas que muy en el fondo, apuntan al hecho que a pesar de su aparente crudeza y falta de recursos, hay un genero que posee muchísima profundidad y que asi como ha evolucionado en distintos géneros, tambien tiene mucho camino para recorrer y explorar dentro de si mismo, como lo demostró el concierto del Viernes 10 de octubre de Carajo (de Argentina) y las bandas colombianas Odio a Botero y El Sie7e que tuvo lugar en EJE Bar.

Dicen por ahí que hacer comedia es diez veces mas dificil que hacer drama, es por eso que siempre he respetado a las bandas que no se toman DEMASIADO en serio y que tienen un buen sentido de la comedia, y mas aun, cuando entre una frase como 'Las Armas Nucleares Son Bruscas' logran decir algo que pueda dejar pensando a la gente...Odio A Botero es de alguna manera, como ese amigo que uno siempre tuvo en el colegio y/o la universidad que era increiblemente payaso, pero que cuando te sentabas a hablar con el resultaba ser un tipo con ideas mas o menos interesantes. En las bandas en las que hay mas de un vocalista, el principal problema a superar es como llegar al punto medio en el que un vocalista no tenga mas protagonismo que el otro y la labor de ambos se encuentre bien balanceada dentro de la musica de la banda, en ese sentido, Odio A Botero ha llegado lentamente a ese punto, como lo muestran las canciones de su último álbum Kill The Cuentero, la labor de René Segura y Carolina Cantor en cada una de las canciones se encuentra distribuida de una manera que se siente muy natural, y en ningun momento forzada.

A la hora de reseñar una banda en vivo despues de oirlos en la radio o escuchar su álbum, es inevitable verlos a través de las impresiones que deja ese primer contacto, en ese sentido, siempre he pensado que El Sie7e es una de esas bandas que cae en el mismo molde que -entre otras- The Hall Effect: Hay algo tanto en su sonido como en sus letras que tiene un tufillo a Extremadamente Genérico y con una especie de miedo a tomar riesgos. Aunque esto es algo mas notorio en su sonido en estudio que estando en vivo, fue una impresión que no se borró por completo en esta presentación. Finalmente, aunque quizá no tenga mucha autoridad moral para hacer este reclamo (a fin de cuentas, bajo determinadas circunstancias, puedo tener el léxico de un marinero en día de permiso), resulta un poco molesto cuando de cada 5 palabras, 2 son 'Hijueputa', es un poco chocante y la verdad sea dicha, no hace que uno le ponga mas atención al que está sobre el escenario.

Cuando uno piensa en la música que viene de Argentina, los nombres que suelen venir a la cabeza son Fito Páez, Charly García, o L.A. Spinetta; aunque son nombres relevantes (He visto a 2 de los 3 en vivo,y me gustó lo que vi), realmente solo viene a ser una fracción de lo que viene del país de Boogie el Aceitoso. A fin de cuentas, Argentina y Brasil fueron de los países que mas acogida le dieron a Los Ramones en su época (Llegando a llenar estadios mientras que en EEUU tenían que contentarse con bares mugrosos), y dejaron una impresión que aun se siente, como lo demuestra Carajo. Existe la creencia general que la música que tiene un componente fuerte de Agresión o Fuerza (o como se quiera llamarle) tiende a ser bastante limitada en lo que a su técnica, ejecución y posibilidades se refiere, creencia que al oir a Carajo queda enérgicamente refutada, especialmente con el setlist del concierto del viernes en el que se pudieron ver en retrospectiva los cambios en el sonido del trío argentino, arrancando con su album mas reciente, dejando los clásicos como 'Sacate la Mierda' para el final. Finalmente, es muy agradable ver una banda que sigue tomandose el tiempo para conectar con su audiencia, quedándose casi una hora despues de terminado el concierto para tomarse fotos y firmar autógrafos, lo que en parte fue posible por el ambiente del concierto.

En conclusión, un muy buen concierto, tanto por el ambiente del mismo como por las bandas que se presentaron, mostrándonos a una banda que es digna sucesora de Attaque 77 y A.N.I.M.A.L, así como dos propuestas nacionales las cuales, independientemente de la afinidad que se les tenga, merecen apoyo y seguimiento constante.

Y para rematar, los dejo con estas fotos de un servidor junto a los miembros de la banda (Para que se ubiquen, yo soy el de gafas y peinado horrible)

Rise Against - Appeal to Reason

Hablar de Rise Against de nuevo me remite al año 2005 y a 120 minutos, tambien me envía a un juego al que le di con fuerza en esa época, Need For Speed Underground 2; como había comentado en otra ocasión, es el año en el que mi oido musical decidió explorar muchas otras vertientes mas allá del punk clásico. En ese orden de cosas, fue en esa época en la que decidí darle una oportunidad a esta banda de Hardcore de Illinois, lo cual, tomando en cuenta que tenían unos cuantos álbums encima cuando los descubrí fue una experiencia bastante agradable.

Sin riesgo a sonar exagerado, Rise Against son el producto de la unión entre el sonido de Black Flag y la conciencia política de Bad Religion y NOFX, a fin de cuentas, la banda realizó un cover de 'Nervous Breakdown' para la película Lords of Dogtown y estuvieron en la disquera de Fat Mike (El bajista de NOFX), participando en uno de los compilados Rock Against Bush, y mucho de esta unión se evidencia en las 13 canciones que hacen parte de este álbum. Por una parte, la voz de Tim McIllrath ha logrado un punto en el que logra combinar la parte melódica con la versión madura de los gritos de Banshee típicos del Hardcore en una forma muy orgánica, en la que el paso de un registro al otro no se siente forzado, como lo muestra el primer sencillo del álbum Re-Education (through labor) o Entertain, mientras que The Dirt Whispered muestra la faceta mas amigable al oido de su voz; por otro lado, canciones como Savior, Kotov Syndrome nos muestran el estado actual de la voz de McIllrath: un muy preciso punto medio que combina fuerza, elegancia y suavidad de una forma que muchos vocalistas aun se esfuerzan por lograr.

No estoy muy seguro quien fue, me parece que fue Alexis de Tocqueville quien explicaba dentro del contexto de la democracia de EEUU (pero creo que es aplicable a cualquier país...no estoy dando nombres cof *Colombia* cof), que una vez un grupo masivo de ciudadanos empieza a moverse en una dirección determinada dentro del sistema democrático, se convierten en una fuerza de cambio que no puede ser detenida. Y de alguna manera eso es lo que Rise Against manifiesta en el contenido de su álbum, las letras de canciones como Collapse (Post-Amerika), Hero of War, o la misma Re-Education... son un llamado de alerta de quienes las escuchan, para que despierten de la apatía en la que se encuentran y se manifiesten en contra de aquellos que rigen los destinos del país en el que viven... (Es asombroso como esta situación tambien es aplicable a otros países). En estos días de canciones que glorifican excesos y glamorizan enfermedades, es una muy grata sorpresa encontrar una banda que trata de hacer publico un mensaje mas inteligente.

Una de las cosas de las que había hablado al comienzo era la madurez del álbum y en general, de la banda a través de su discografía, una madurez que entre otras cosas, se manifiesta en la duración de las canciones, lo que se convierte en lo que es quizá el unico punto flaco del álbum; de la misma manera que uno puede llegar a sentirse algo hostigado al montar una montaña rusa muchas veces, algunas canciones del álbum se sienten demasiado largas, como es el caso de Kotov Syndrome, aunque es mi canción favorita del álbum, no pude evitar sentir que puede ser dividida en dos canciones igual de interesantes y llamativas (o incluso, aun mas).

Para aquellos que gustan (o gustamos) de un sonido agalludo y contundente, que te golpea a la vez que te deja pensando, Appeal to Reason de Rise Against es una excelente elección que traerá mas ganancias para aquellos que se decidan a buscar mas de esta banda, además que calma las ansias mientras llega el nuevo álbum de AlexisOnFire.

En otras noticias, hace poco abrí una cuenta en Blip.fm, no la actualizo con taaaanta frecuencia, pero me aseguro de poner mas de una canción todos los días, sientanse libres de visitarla cuando quieran, tambien si miran la página de EJE Records, verán que mis reseñas están al aire de nuevo. Tambien verán que he añadido el link de Bogotá Ciudad Rock a la lista de links, y Sebastián muy amablemente me indicó que Arcade Fire, contrario a la creencia popular, no es The Arcade Fire, la corrección está hecha

M83 - Saturdays = Youth

Podría decirse, reafirmando aquella idea que el Pop se comerá a si mismo, que los últimos años han visto un resurgimiento del Shoegazer. Bandas como Asobi Seksu, Beautiful Lunar Landscape, Serena Maneesh o los mismos padrinos del género, My Bloody Valentine han comprobado a través de sus recientes lanzamientos y conciertos que el muro de sonido y las letras susurradas suavemente sobre ese sonido avasallador (El último concierto de MBV es un contendiente al título del concierto mas duro de la historia...132 decibeles!) están de vuelta y con bastante fuerza, como tambien lo demuestra el álbum mas reciente de M83, Saturdays = Youth.

Despues de su álbum Before the Dawn Heals Us, el cual, aunque tenía cosas interesantes dejaba mucho que desear en otros aspectos, eramos (me incluyo) muchos los que dudabamos del futuro de la banda, debido a reportes de una agotante gira que causó la disolución del dúo de Anthony Gonzalez y Nicholas Fromageau, convirtiendo a M83 en un proyecto de Gonzalez con invitaciones a otros músicos. Por otro lado, el álbum lanzado a finales de 2007, Digital Shades Vol. 1, aunque interesante, sembró aun mas dudas sobre el destino del proyecto, sugiriendo el abandono del concepto de 'Shoegazer con sintetizadores' para adoptar por completo un estilo mas ambiental dentro del sonido de M83.

Muchas de esas dudas quedan resueltas con los primeros cortes de Saturdays = Youth; You, Appearing y Kim & Jessie son canciones que aunque no necesariamente suenan a lo que nos tenía acostumbrados Gonzalez, si se sienten como los anteriores trabajos de M83, siendo esto una forma mas efectiva de volver a familiarizar a quien escucha con el sonido del proyecto, lo que ocurre con canciones como Graveyard Girl, Highway of Endless Dreams, Dark Moves of Love y Couleurs, la cual, aunque en algunos momentos se siente demasiado larga para su propio bien, recuerda a las épocas de su segundo álbum Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts. Por otro lado, el álbum tiene un evidente feel ochentero, como aparece en Kim & Jessie; tomando prestadas las palabras de Jeph Jacques, el álbum es la carta de amor de M83 a la década de los 80. Finalmente, We Own The Sky y Midnight Souls Still Remain se llevan el premio a las mejores canciones del álbum. Mientras que la primera es hermosamente triste, la segunda, a lo largo de 11 minutos logra llevar el término 'Muro de Sonido' a su definición mas poderosa y contundente.

Saturdays = Youth es un excelente Regreso a Forma para M83 que demuestra que el ShoeGazer está mas vivo que nunca y aumenta las expectativas del género con respecto al posible nuevo álbum de My Bloody Valentine.

En Avisos Parroquiales, me informaron de parte de EJE Records que han tenido unos pequeños inconvenientes que han hecho que algunas de las reseñas que había en el sitio desaparecieran (incluyendo las mías), pero que es cuestión de tiempo para que todo vuelva a la normalidad. No se si en este momento sigan recibiendo reseñas, si hay alguien interesado, lo mejor que pueden hacer es ponerse en contacto con ellos a través del formato que tienen en la página.

O Canada! Parte 4: Danko Jones

Y vuelve la serie de artículos favorita de todos los Quebecois, esta vez, hablando sobre el trío de Hard Rock originario de Toronto, Danko Jones.

La primera vez que oí hablar de la banda compuesta por Danko Jones, John Calabrese y Dan Cornelius fue a través de esas 4 encantadoras señoritas suecas, Sahara Hotnights y mi búsqueda de la canción con la que ellas contribuyeron al álbum tributo a los Ramones, The Song Ramones The Same, por esas coincidencias de la vida, Danko Jones también contribuyó a ese álbum (con una versión de the Return of Jackie & Judy), y como dicen por ahí, el resto es historia.

Los orígenes de la banda se remontan a 1996 y una extensa actividad de giras en la que le abrieron a bandas que iban desde Nashville Pussy hasta Blonde Redhead, apoyándose en la reputación que les daba su actividad en vivo y rehusándose a grabar un álbum hasta que en 1999 lanzan el EP My Love Is Bold y que empezaría una tumultuosa relación con el mainstream canadiense, al parecer, por la actitud de la banda con respecto al file sharing, al mismo tiempo que su sonido mutaba del Heavy Metal al Hard Rock, como es posible descubrirlo si uno escucha en maratón sus álbums Born a Lion, We Sweat Blood, y Sleep Is The Enemy.

El 2008 marca el lanzamiento de su álbum mas reciente, Never Too Loud, en el que la inspiración de las letras con una marcada influencia del blues que ha marcado toda la discografía de la banda ha sido combinada con una temática de sexo, dorgas y Rock & Roll que le debe mucho a Motörhead, sin sonar como una copia de la misma, con lo que se convierte en un buen punto de partida para conocer la obra de estos 3 canadienses.

Y asi llegamos al final de otro O Canada!, la mirada a la música de los gentiles gigantes del norte seguirá con los indie darlings favoritos de todo el mundo, The Arcade Fire.

Aunque ciertamente desentona un poco con el feel de este post, me gustaría recomendarles que le pegaran una escuchada a este podcast que es una presentación de nada mas y nada menos que My Bloody Valentine el 13 de junio de este año. Ciertamente, una de las bandas mas importantes de los últimos 20 años (Muchas gracias a Sebastián por la recomendación).

Lasciate, Ogni Speranza Voi Ch'Entrate

¿Que decir de una banda que arranca su presentación con un cover de 'White Wedding' de Billy Idol?

Que tienen mi completa atención.

Ese fue el caso con la presentación de la banda bogotana de Hard Rock DANTE, y el concierto que dieron el día de ayer en La Pola Pub (Cra 14A 83-16), un concierto en el que tocaron algunas de sus canciones originales, como Jack Daniels o Demon Lover, junto con covers que iban desde David Bowie hasta Judas Priest (En la variedad está el placer dicen algunos).

DANTE es una banda que deja la impresión de ser 100% sleaziness y lo logran bastante bien, especialmente a través del manejo del escenario de su vocalista Kami Rayne; aunque en un escenario reducido, Rayne cantó y se movió con un estilo que recordaba a Jyrki 69 (especialmente en su aspecto); asi mismo, la banda logra mantener un feel de Garaje que siempre es agradable encontrar en un grupo, y al mismo tiempo que mantienen ese feel de Garaje, tambien demuestran una consolidación que siempre es un constante proceso para una banda.

Sin embargo, hubo uno que otro bemol; como fue el caso del sonido, que en algunas ocasiones ahogaba la voz de Rayne, y en otras ocasiones hacía que no se escuchara la guitarra de Tank!; por otro lado, a pesar de lo bien ejecutados, fue inevitable pensar que quizá hubo demasiados covers en el repertorio, especialmente tomando en cuenta que la banda se encuentra preparando su EP debut, titulado Red Light District.

En un panorama que a veces parece estar saturandose de propuestas dificiles de clasificar bajo una etiqueta determinada y que parece que lo hacen solo para seguir una moda, es agradable encontrar una banda que decide ubicarse dentro de una propuesta determinada sin necesariamente caer en el cliché, DANTE es una banda que cabe en esa descripción, y como ocurre con las bandas de la escena local, requiere y merece el apoyo de quienes quieren ver propuestas nacionales interesantes. Para mas información sobre la banda, pueden ver su página en MySpace, así como su sitio oficial.

Kami Rayne - Voz
Draco Londonn - Batería
Tank! - Guitarra
Alex Grimm - Guitarra
Bajista invitado: Juan Camilo Herrera

En otros Avisos Parroquiales, me complace mucho anunciar que dos de las reseñas de Ñoñerismo Musical han sido publicadas en el sitio web de EJE Records, mas exactamente, esta y esta. Quiero agradecer a EJE por la oportunidad, junto con mis reseñas, han sido publicadas dos reseñas de Gloria, cuyo blog; Jurado por Madonna hace parte de los links de esta página, una visita a la página de ella tambien es altamente recomendada, Gloria tiene un estilo mucho mas interesante que mi eterno ñoñerismo.

Hasta el lunes