Milagros de Navidad y Álbumes Recomendados

Es un milagro de navidad! La pequeña crisis de mi PC se resolvió a tiempo para la víspera de navidad, y justo a tiempo para cerrar con un post sobre los álbums recomendados de este año, cabe aclarar que no están en ningun orden particular, y aqui vamos

Cat Power - Jukebox

Otro álbum de Covers por Cat Power? Si, pero covers que muestran la madurez que ha alcanzado la hermosisíma Chan Marshall (A quien vi en vivo en mayo de este año) después de su lucha con la depresión, un estilo menos experimental y mas bluesero que le da una lectura muy interesante a los temas que toca en este álbum, se recomiendan la versión que hace de Naked If I Want To y de Angelitos Negros (Cuando la cantó ayudada de una hoja con la traducción en el concierto fue un momento harto encantador)

The Mars Volta - The Bedlam In Goliath

En este nuevo álbum, Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez López nos muestran que el rock progresivo está muy lejos de ser un dinosaurio, cada una de las canciones de este álbum resultan complejas e intrigantes sin ser empalagosas o díficiles de abordar, mostrando una vez mas como la genialidad técnica de Rodríguez-López es puesta al servicio de un sonido que invita a ser explorado una y otra vez. Temas recomendados: Metatron y Asklepios

M83 - Saturdays = Youth

El proyecto francés de shoegaze regresa con todo después que muchos (me incluyo) los dimos por acabados con un álbum que en las palabras de Jeph Jacques es "Una carta de amor a los 80" pero lejos de ser una carta nostalgica y forzada, es un esfuerzo cuidadoso de recoger todo aquello que nos gustó de esa década y hacerlo funcionar en esta época, con canciones llenas de angustia, belleza y algo de tristeza propia del shoegaze. Temas recomendados: We own the sky y Graveyard Girl

Nine Inch Nails - The Slip

Cuando un artista (aun si es Trent Reznor) lanza dos álbumes en dos años, uno puede pensar que son simples ganas de ganar algo de $$ llenando las tiendas con sus discos, lo que ciertamente no es el caso con este álbum. Aunque en ocasiones se siente con una división demasiado modular para su propio beneficio, es una muestra clara del la evolución que ha experimentado el sonido de Trent Reznor a lo largo de esta década, con una propuesta conceptual y sónica muy clara. Temas recomendados: Corona Radiata y Discipline

Rise Against - Appeal to Reason

Lo bueno de las bandas de Hardcore que logran permanecer a lo largo de los años es ver como su sonido lentamente anda por caminos mas sofisticados pero no por ello menos comprometidos, fuertes, o agresivos, como es el caso del álbum mas reciente de Rise Against, que retiene la fuerza de sus primeros trabajos, conjugada con el aire mas melódico que la banda ha ido adquiriendo. Temas recomendados: Savior y Hairline Fracture

Mogwai - The Hawk is Howling

Otro álbum que puede ser descrito en términos de 'Rabia contenida', aunque no por el estilo de Rise Against, este álbum de los escoceses de Mogwai recuerda a un hombre con una vendetta por llevar a cabo y que está encerrado en una habitación esperando su momento de salir a la calle. Guitarras fuertes pero no por ello desprolijas hacen su aparición en cada uno de los cortes de este álbum, uno de los mejores de este año. Temas recomendados: Batcat y The Sun Smells Too Loud.

Sigur Rós - Með suð i eyrum við spilum endalaust

Hace un par de años no hubiera creido posible que me terminara gustando tanto un álbum de Sigur Rós, sin embargo este es el caso con su mas reciente producción, dejando atrás el sonido etéreo y dificil de agarrar de sus anteriores trabajos, Með suð... nos presenta un sonido mas orgánico, y en ocasiones, mas juguetón, sin por ello perder la gravedad y carga emocional asociada a los trabajos de Jonsi y Cía. Temas recomendados: nní mér syngur vitleysingur y Illgresi.

Babasónicos - Mucho

Los Babasónicos vuelven a la carga con un álbum que es mas rockanrolero que cualquier otra cosa, que sigue manteniendo el aire de 'Elegante Decadencia' que muestra el sucesor de Sandro, Adrián Dárgelos, lleno de canciones que enmascaran drama detrás de sus sombreros de ala corta. Canciones recomendadas: MicroDancing y Como Eran Las Cosas

Austin TV - Fontana Bella

Sin lugar a dudas, el descubrimiento mas agradable de RockAlParque, con un sonido que recuerda a bandas como Mogwai y Explosions in the sky pero sin sonar como una importación a la fuerza, teniendo un aire autóctono y mestizo muy interesante. Temas recomendados: Flores sobre las piedras y Ana no te fallé.

Estos son a mi juicio, los álbumes mas interesantes del 2008, hay algunos que se me escapan, como el debut de Does it offend you, yeah? (Cuyo vocalista es identico a Bam Margera) pero realmente no lo he escuchado con el juicio con el que debiera haberlo hecho asi que sería deshonesto de mi parte dar un juicio al respecto. Junto a los trabajos que he mencionado acá, otros como Bring Me Your Love de City & Colour o Lust, Lust, Lust de The Raveonettes, que merecen echarles una mirada.

Pensé que era un poco pretencioso de mi parte escribir lo que sigue, pero si se tomaron la molestia de leer todo esto, porque no leer un párrafo mas? Empecé este blog hace unos 6 meses básicamente como una forma de mantenerme ocupado mientras me recuperaba de un accidente mas o menos grave que sufrí a comienzos de este año, al hacerlo redescubrí algo que realmente me gustaba hacer pero que había olvidado, como es escribir. Quiero agradecerle a Lucía, Gloria, Andrea de EJE Records, Rafael Escandón de Bogotá Ciudad Rock, Jorge Pinzón y Juanita Bernal de CartelUrbano, Daniela de La Galáctica, Rafael, Bestiario del Balón, y en general, a todas las personas que han pasado a leer esta página. Este año fue un año bastante movido para mi, con una carga considerable de altas y bajas, y muchas cosas que creo que pasaron por la actitud con la que arranqué este 2008, la cual, cambiaré para recibir este 2009 que ya se viene encima. Ñoñerismo Musical volvera en enero del próximo año, mientras tanto, le deseo a todos aquellos que ha pasado por esta humilde paginita una muy feliz navidad y el mejor de los años nuevos.

Suerte, y cuidense. Los dejo con el saludo de navidad de las encantadoras Pipettes, yo me iré a alistar el playlist de la novena de hoy, que incluirá temas tan simpáticos como Merry Christmas Baby de los Ramones y Papai Noel Filho Da Puta de los Ratos de Porao.

Chau

Emergency Broadcast System

Hola a todo el mundo.

Por inconvenientes técnicos (el disco duro de mi laptop está fallando) no va a haber posts nuevos en lo que queda de semana. Aunque la situación ha sido controlada, necesitaré reemplazarlo y eso se va a tardar unas semanas (y estoy siendo optimista acá) Eso tambien implica que algunos álbumes que tenía alineados para reseñar antes que terminara el año no serán reseñados (por lo menos, no en este año); sin embargo, haré todo lo posible para cerrar con mínimo uno, espero dos posts nuevos.

A aquellos que leen con cierta frecuencia esta humilde paginita, les agradezco su comprensión.

Muffin With A Candle On Top

Aunque debía tener unos 8 o 9 años la primera vez que escuché algo de Nirvana (probablemente el unplugged), la verdad es que la primera vez que escuché el Nevermind tenía 12 años. Es ciertamente sorprendente que ya hayan pasado 11 años desde esa primera vez que escuché el álbum y 17 desde que vio la luz, y aunque Nirvana nunca ha sido una de mis bandas favoritas, resultaría un tremendo ejercicio de negligencia no reconocer la importancia que ha tenido ese álbum dentro de la historia de la música.

La importancia histórica de este álbum viene en dos frentes: En primer lugar, es el tiro de gracia al (ya en esas épocas) agonizante Hair Metal; durante toda la década del 80, bandas como Mötley Crüe, WhiteSnake, Poison, Europe y un larguísimo etcétera convirtieron al Rock (y por extensión al Metal) en una burla de si mismos: Además de reducir su producción musical a una formula preconcebida de canciones pesadas y Power Ballads, se terminaron encerrando en en un estilo autoglorificante y decadente, una eterna fiesta que no se identificaba con su audiencia y que enmascaraba situaciones mas patéticas, como lo demostró Penelope Spheeris en su documental The Decline of Western Civilization y escenas tan trágicas como la entrevista a Chris Holmes, ahogándose en una botella de vodka mientras flotaba en una piscina. La intromisión de los intereses de las grandes disqueras, que habían visto en esas bandas su gallina de los huevos de oro, junto a un zeitgeist que glorificaba y aupaba dichos excesos terminó cavando la tumba del 'género'. Kurt Cobain, a diferencia de personajillos como Vince Neil, Bret Michaels, o David Coverdale, se vestía, lucía, pensaba, y actuaba como aquellos a quienes les cantaba.

Por otro lado, Nevermind fue la materialización de un movimiento musical que se había estado gestando en secreto durante los años 80. Cada vez que se habla de Nirvana siempre se usa la trilladisima frase "Y de la nada, una pequeña banda de Seattle..." pero como lo dice Thurston Moore en el documental Punk: Attitude, lo que representó Nirvana no salió de ningun vacío, lograron sintetizar lo recorrido por bandas como Black Flag, Melvins, Sonic Youth y artistas como Glenn Branca para presentar algo que no solo tenía un mensaje conciso, sino que tambien tenía la capacidad de llegar a una audiencia particularmente grande, en ese sentido, se puede hablar de Nevermind como un album pop en su capacidad de llegar a distintas audiencias.

Dentro de unos años, Nevermind alcanzará su status definitivo como uno de los álbums mas importantes del Rock, manifestando su influencia a partir de bandas que revivirán un 'sonido noventero'... Será una experiencia harto interesante y que nos hará entender la verdadera importancia de (si me perdonan el cliché) esa 'pequeña banda de Seattle que salió de la nada'.

Guns 'n' Roses - Chinese Democracy

Si he de ser realmente franco con ustedes, temía reseñar este álbum, y por eso le di tantas largas; la verdad sea dicha, negar a Guns 'n' Roses, es como negar a la mamá; te puedes refugiar todo lo que quieras detrás de Sonic Youth, CocoRosie, Los Campesinos y demás, pero sabes que muy dentro de tu gusto musical, hay un lugarcito para Civil War, Welcome to the jungle y un sujeto rubio que anda por ahí en boxers que dejan muy poco a la imaginación; ese aprecio por GNR en conjunción con la decepción que resultó ser Death Magnetic y el proceso de producción tan traumático del álbum (inserten chiste obvio sobre la democracia en China y la fecha de salida del álbum aquí) hicieron que realmente no quisiera darle una mirada por miedo a resultar decepcionado.

Haciéndole honor a su larguísimo proceso de producción y a la legión de personas que estuvo detrás del mismo proceso, la mejor forma de describir las intenciones de este álbum sería con el adjetivo épico, en su hora y 11 minutos de duración Axl Rose et. Al hacen un viaje por una serie de géneros que en manos de una banda de menor valía resultaría un desastre, pero que en este caso no lo es; el Hard Rock del que GNR hizo escuela en sus anteriores épocas aparece en canciones como Chinese Democracy, I.R.S. There Was a Time, Riad n' The Bedouins o Madagascar, apareciendo de una manera que no resulta anticuada u obsoleta; al mismo tiempo, la experimentación con los elementos industriales que había resultado tan malograda en la canción Oh my God, reaparece en una interesante manera en Prostitute o Shacklers' Revenge que es, hasta el momento, mi corte favorito del álbum; y en una prueba que no se pueden negar los origenes, This I Love, Street of Dreams y There was a Time se convierten en las sucesoras espirituales al himno para la melancolía que es November Rain; en ese sentido, es necesario reconocer que la proeza de mezcla de géneros del álbum es posible gracias a quienes hicieron parte de el, desde el virtuoso del avant-garde Buckethead, hasta Josh Freese, incluyendo a Sebastian Bach (Que si me cae bien, a diferencia de mi archi-nemesis Bret Michaels).

Puede que haya algo de verdad en la afirmación que el hard Rock es un género obsoleto y que a estas alturas del partido tiene poco que ofrecer, pero siempre es bueno ver que aquellas bandas y músicos con los que uno creción aun tienen algo que ofrecer. Aunque en ocasiones se sienta un álbum demasiado grande para su propio beneficio, escucharlo de a poco es la mejor manera de acostumbrarse a el.

Deadly Sins

Como lo mencionaba en anteriores ocasiones, una de las grandes ventajas de la tecnología de hoy en día, es el hecho que le es mas fácil a las bandas hacer conocer su obra a través de medios no convencionales, pudiendo recurrir a plataformas como MySpace o Last.FM para mostrar lo que tienen, como es el caso de Deadly Sins, banda bostoniana de Punk.

Con un álbum (Selling Our Weaknesses) y un split con la banda Left Alone a sus espaldas, el sonido de Deadly Sins es un sonido agalludo y fuerte que recuerda a bandas como The Forecast, pero un poco mas pesadas, especialmente por la similitud en el registro de sus respectivas vocalistas, aunque Stephanie Dougherty (Deadly Sins) canta en un registro mas bajo que Shannon Burns (The Forecast) la fuerza que ambas imprimen a su canto es harto similar, lo cual siempre es agradable de ver, especialmente cuando la melodía y el estilo de la banda corresponde al esfuerzo de Dougherty, que tambien ha colaborado con los Dropkick Murphys en The Dirty Glass, canción del álbum Blackout.

En la página de MySpace de la banda se encuentran disponibles canciones de su álbum mas reciente, para echarle una mirada al sonido de estos pecados capitales.

The Ramones - Merry Christmas

Sé perfectamente que estoy haciendo 'La Fácil' con estos vídeos de navidad pero me gustan mucho y no he tenido tiempo de hacer un post en propiedad (La otra semana por fin hablaré de Chinese Democracy, lo prometo)


The Ramones - Merry Christmas Baby

David Bowie & Bing Crosby - Little Drummer Boy

Si hay algo que realmente me molesta en esta vida es la creciente tendencia a adelantar la navidad... Desde mediados de noviembre los centros comerciales se llenan de árboles de navidad e importadas versiones de Papá Noel (A quien ahora empiezan a llamar 'Santa') y otras cosas por el estilo. Por otro lado, me gusta mucho la música de Navidad, y si que hacia el primero de Diciembre nos estén bombardeando con cosas navideñas significa que se puede oir a David Bowie y Bing Crosby cantando El Tamborilero, bienvenido sea.

The Prodigy - Invaders Must Die

Algo que parece marcar tanto a este año, como al que viene (por lo menos en parte) es el regreso de bandas que habían estado calladas por un periodo prudencial de tiempo, como ocurrió con Metallica, Guns & Roses, y The Prodigy, quienes lanzarán su nuevo álbum, Invaders Must Die hacia Marzo del siguiente año.

Desafortunadamente, en el caso de Metallica, dichos regresos aunque han no han sido malos, tampoco han sido particularmente sobresalientes, este no parece ser el caso con Invaders Must Die, cuyo primer sencillo del mismo nombre puede ser descargado en la página oficial de la banda.

Aunque resulta un poco arriesgado empezar a hablar de un álbum con solo un sencillo del mismo, hay algo que me impulsa hacerlo, principalemente, por el hecho que es agradable ver un 'Regreso a Forma' que está bien hecho, a diferencia de algunas de las canciones de Death Magnetic, Invaders Must Die nos recuerda al Prodigy Vieja Escuela, sin sonar desactualizado, viejo o repetitivo. Invaders Must Die se convierte en un excelente abrebocas para un álbum que ya de por si tiene altas expectativas.

El sencillo pued ser descargado acá.

Hasta la otra semana

The Sword - Gods of the Earth

Todos tenemos un primo/amigo/conocido que es un completo stoner, y que dentro de todo es inofensivo y hasta divertido, a pesar que despues de andar con el uno siempre termine con munchies de segunda mano y con un dolor de cabeza del tamaño de una ballena, y lo mismo ocurre en la música, con el Stoner Metal y los exponentes de dicho género que hoy nos ocupan: The Sword con su 2do álbum, Gods of the Earth.

Aunque ciertamente es una descripción de la banda y que puede ser considerada como un estereotipo del género en su totalidad, las historias producto de la alteración de la conciencia constituyen una parte significativa del estilo lírico y musical de la banda de Texas, como lo demostraba su primer album, Age of Winters, guitarras densas y afinadas en clave menor, junto con bajos distorsionados y poderosos así como baterías de naturaleza casi épica, y que en cierta medida constituyen un muro de sonido propio del shoegazer. Sin embargo, como suele ocurrir dentro de la evolución del sonido de una banda, a medida que pasan los albumes aparecen nuevas influencias en el sonido que evitan que se queden en lo mismo una y otra vez; canciones como Lords o To Take The Black son prueba de ello, con un sonido que emparenta a la banda dentro del linaje del Heavy Metal clásico de Black Sabbath, al mismo tiempo que en este álbum, la voz de J.D. Cronise ha cambiado un poco con respecto a su primera producción asemejándose a lo logrado por el principe de las tinieblas, Ozzy Osbourne en sus días de gloria. En términos de la inspiración lírica, el álbum mantiene la línea de sus anteriores esfuerzos, con una feurte inspiración de la mitología nórdica, como aparece en How Heavy This Axe, The Frost-Giant's Daughter o The Sundering, al mismo tiempo que juegan un poco con la obra de H.P. Lovecraft, como lo muestra Fire Lances Of The Ancient Hyperzephyrians (que se gana el premio al título mas Stoner de una canción).

A pesar de lo mucho que me repugnan las etiquetas rebuscadas dentro del metal ('Melodic Despeluqueitor Socialist Death Metal'), Gods of the Earth es todo lo que debe ser el Stoner Metal: Una experiencia apabullante, densa y que invita a ser explorada en sucesivas ocasiones, sin riesgo de munchies, sequedad de la boca o cualquier otro efecto colateral.

O Canada! - Arcade Fire

¿Había pasado bastante tiempo desde la última vez que hacía una de estas, no es así, chiquillos y chiquillas? Sea como fuere, hoy es momento para otra mirada a la música del país de Alexander Graham-Bell y Jéan Chrétien, hablando en esta ocasión de Arcade Fire.

Sin duda alguna, la banda encabezada por el matrimonio de Win Butler y Regine Chassagne hace parte de los sonidos representativos de esta década, tanto por su producción musical per se como por las circunstancias asociadas a su ascenso y popularidad; vivimos en la década de los fenómenos de Internet, donde con subir la música que se ha hecho a una página en MySpace o Last.fm alguien se puede dar a conocer sin necesidad de tener una disquera detrás de uno, juntado con las alegres coincidencias de ser descubiertos por David Bowie y Pitchfork Media, su álbum debut, Funeral, fue inmediatamente aclamado como uno de los mejores álbumes que había salido en un buen tiempo, (Y en mi opinión personal, uno de los mejores álbumes de esta década), y tenía todas las razones para hacerlo; el sonido de este álbum es representativo de lo que hemos oido en estos últimos años: Un intento claro de eliminar las barreras de lo que es el sonido del rock, conjugando guitarras distorsionadas con instrumentos poco convencionales dándole un aire orquestal a la música que crean, las 10 canciones de este álbum tienen la palabra 'Catarsis' escrita sobre ellas, pero es una catarsis oscura y melancólica, la sensación que deja Funeral es la misma que queda en el aire tras el funeral de un ser amado: La tristeza por quien se va, enmarcada en una especie de satisfacción por lo vivido.

2007 es el año en el que nos encontramos con su segundo álbum Neon Bible, que prueba que es posible romper la maldición del segundo álbum, llevando ese sonido característico de su primer álbum a un nuevo nivel, llevando el término de 'Pop Barroco' o 'Pop de Cámara' a una expresión que se encuentra peligrosamente cerca de ser su forma definitiva, una hazaña notable para el segundo álbum de una banda, con un sonido que recuerda a I'm From Barcelona, al mismo tiempo que sigue manteniendo ese aire sombrío de su primer álbum, haciéndole honor a su nombre, Neon Bible tiene un perturbador y provocador aire de misa.

Como mencionaba al comienzo, Arcade Fire tiene todo para ser una de las bandas mas representativas de lo que es el sónido de esta década, combinando elementos de distintas tendencias en una forma compleja y fascinante, tambien son, junto a Broken Social Scene, los mejores exponentes de la musica canadiense en los últimos años.

La proxima visita al Canadá musical será a Godspeed! You Black Emperor (Cortesía de Grace).

Albert Hammond, Jr. - ¿Como Te Llama?

Ahora que lo pienso, otro título para esta reseña podría ser 'Los Pecados del Padre', porque la verdad sea dicha, Albert Hammond, Jr. ha estado -tanto con su carrera con Los Strokes como con su trabajo en solitario- pagando por el daño que su padre, Albert Hammond, Sr. le hizo a la música al perpetrar canciones con Julio Iglesias; y es así que nos encontramos con el segundo trabajo en solitario del jóven Hammond, ¿Como Te Llama?.

La impresión inicial del álbum es una de ambiguedad en la superficie, pero precisión mas allá de la misma; la ambigüedad viene en su título, que bien vendría a ser una atrocidad al español del corte del "1, 2, 3, catorce" de mi otro archinemesis, Bono, o podría ser el tipo de pregunta que uno le hace a una chica que está con un tipo que es un reverendo imbécil, que es, supongo, una interpretación distinta a la enorme red de conjeturas que aparece en el artículo de Wikipedia sobre el álbum.

Por otro lado, la impresión de 'Precisión' viene de su sonido, las 13 canciones que componen el álbum son canciones con una sorprente 'Economía de movimiento' por llamarlo de alguna manera, dicen lo que tienen que decir y suenan como tienen que sonar dejando una sensación que en ningún momento tienen elementos superfluos, con un sonido que es eficiente a la vez que es agradable al oído, como un VolksWagen Escarabajo que ha sido bien cuidado, algo que se ve en la canción que abre el álbum Bargain of the Century, mientras que un tema como GfC combina unas guitarras en apariencias simples con otras distorsionadas y fuertes, al mismo tiempo que Boss Americana le hace honor a su nombre, siendo una representante digna del sonido de 'New Americana' que han comandado los Strokes; En general, el sonido del álbum es un sonido que recuerda a los años dorados del rock en los 90, lo que tiene sentido cuando tomamos en cuenta que en la banda de Hammond se encuentran músicos que han trabajado con Lemonheads y Ben Kweller, aún así, hay un pequeño coqueteo con secuencias en Lisa, del cual sale bien librado.

Cuando hablaba del álbum en solitario de Kevin Drew, comentaba como este tipo de proyectos dejan ver la influencia de un artista en el sonido de la banda y viceversa, y esto mismo ocurre en este álbum, sin embargo, ocurre de una forma mas confusa que en otros proyectos de similar naturaleza; en este caso, resulta muy díficil establecer hasta donde va la influencia de Los Strokes en Albert Hammond y viceversa, como lo muestra Victory At Monterey, cuya batería hace que suene como The Other Side de Los Strokes, por otro lado, la voz de Hammond en ocasiones se siente muy parecida a la de Julian Casablancas, lo que las mas de las ocasiones, resulta demasiado confuso.

Aunque es un álbum interesante en si mismo, los momentos de similitud con el sonido de Los Strokes puede resultar un poco incomodo para algunos, por lo que una escucha juiciosa y atenta del álbum se hace necesaria.

En otras noticias, me enorgullece mucho anunciar mi filiación bestiarista, así como la inclusión de esta humilde paginita en la lista de links del Bestiario del Balón, sin duda alguna, una de las mejores páginas sobre fútbol que hay en este momento. Agradezco mucho la inclusión, y saludo a todos los que lleguen a ÑM producto del paso por el Bestiario.

Where The Grrls Are - Kathleen Hanna

No muchas veces ocurre que el nacimiento de un género musical esté asociado de manera tan fuerte a un nombre propio, y aun menos que además de un género, haya un movimiento cultural asociado a ese mismo nombre propio, sin embargo, uno de esos raros casos es quien hoy me ocupa en esta edición de Where The Grrls Are: Kathleen Hanna.

Hablar de Kathleen Hanna es hablar del movimiento Riot Grrl, la revolución cultural de finales de los ochenta y comienzos de los noventa que se encuentra intimamente ligado a lo que ha venido a conocerse como la tercera ola del movimiento feminista. Hanna, nacida en 1971 se encontró con el feminismo a una temprana edad, cuando empezó a acompañar a su madre a eventos feministas y mítines dirigidos por Gloria Steinem, mostrándole la idea que una mujer puede hacer todo lo que quiera y que bajo ninguna circunstancia debería sentir que su género impone alguna medida de limitación sobre las opciones a las que tiene acceso, esta idea de 'Puedes hacer lo que quieras' al mismo tiempo resultaría crucial por ser, esencialmente, la idea que se encontraba en el núcleo de lo que fue el punk en sus comienzos, pero que se perdió en el sectarismo y la exclusión del Hardcore de los 80; utilizando elementos propios del mismo, como el zine para tomar el lenguaje de autoras como la misma Steinem y otras pensadoras, que con el pasar de los años se había visto anquilosado y presentarlo de nuevo a una audiencia que no necesariamente tenía acceso a la producción de estas autoras; una propuesta que eventualmente evolucionaría hacia la banda madrina del género: Bikini Kill y el género Riot Grrl, con bandas como Heavens to Betsy, Cadallaca, Bratmobile y Sleater-Kinney, dándoles a miles de mujeres jóvenes un sentido de empoderamiento que no habían podido experimentar en un buen tiempo, aportando términos al lexicon de la cultura popular como Grrl, al mismo tiempo que resignificaron otros como Dyke, Que vendría a traducir algo así como 'arepera', pero que tras su apropiación por la comunidad lesbiana ha terminado por adquirir otras connotaciones.

En un sentido mas general, implicó un despertar político mas organizado del movimiento Punk; dejándo atrás la anarquía sin orden ni concierto, el movimiento Riot Grrl inspiró la aparición de una conciencia política mas estructurada y ordenada, en un sentido, dejando atrás su adolescencia y entrando a una etapa de adultez, como lo evidencia el posterior proyecto de Kathleen Hanna: Le Tigre; junto a JD Samson y a Johanna Fateman, Le Tigre representó un cambio en el sonido de Kathleen Hanna, dejando atrás las influencias punk de Bikini Kill para explorar un sonido mas electrónico y mas amigo de los sampleos, explorando los mismos temas de Bikini Kill (Feminismo, la comunidad LGBT), junto con otros temas como la guerra en Irak.

Aunque Bikini Kill se disolvió hace ya bastantes años, y Le Tigre se encuentra en un 'Alto Prolongado', la influencia de Kathleen Hanna sobre el rol de las mujeres en la música es evidente; recuperando un escenario que se había perdido, y recuperando la frase que cimentó la revolución cultural punk: 'Puedes hacer lo que quieras'

Sahara Hotnights - Jennie Bomb

El mundo tiene una deuda muy grande con Suecia... además de muebles dificiles de armar, autos seguros y una prospera industria del entretenimiento adulto, durante los últimos 35 años ha salido música extremadamente buena de ese país... desde ABBA (Si, ABBA, algún problema?) hasta Hellacopters, pasando por The Cardigans (No, no tengo una traga de adolescente de Nina Persson, de que hablan?) y quienes nos ocupan en esta ocasión, Sahara Hotnights, con su álbum Jennie Bomb del año 2001.

Venidas del mismo cruce de calles en Robersfors, Suecia, María Andersson, Josephine Forssman y las hermanas Jennie y Johanna Asplund son el epitome del Rock de Garaje, habiendo formado la banda por como ellas mismas lo dicen 'Aburrimiento', con un sonido ciertamente 'Garajudo' y con claras influencias de Los Ramones, y las madrinas de todas las girl-bands, The Runaways; estas 4 chicas son de las que parecen tener mas agallas que muchos hombres, no tienen miedo de decir lo que piensan y no tienen ningún reparo en decirlo de la forma mas dura posible, como ocurre en Fall Into Line ('Don't Ever Tell Me How To Feel' - Nunca me digas como debo sentirme), o en Out of the System, sin duda alguna, la canción mas fuerte, rápida y agresiva del álbum, arrancando con una guitarra distorsionada In Crescendo, y llevando a un ritmo de batería sin compromisos, y una guitarra fuerte y decidida, mientras que Keep Up The Speed le hace honor a su nombre (Manteniendo la velocidad), con un bajo distorsionado que no tiene nada que envidiarle a Death From Above 1979, y una energía que se prolonga a lo largo de toda la canción.

Al mismo tiempo, el álbum está lleno de canciones que aunque no son particularmente rápidas, como lo muestran Whirlwind Reaper, Only The Fakes Survive, With or Without Control o A Perfect Mess, sin duda alguna, la canción mas desgarradora del álbum, en la que la faceta de la 'Chica con Agallas' cae para dejar ver a una mujer lastimada, sola y con preguntas sobre el lugar que ocupa.

Con un sonido que aunque es crudo no es poco pulido o mediocre, y una actitud libre de pretensiones, Jennie Bomb es uno de los mejores álbums de esta década, a la vez que es el mejor punto de partida para ver la evolución que ha tenido el sonido de estas 4 encantadoras srtas. suecas.

The Sound of Lucrecia - Like Being Home

Recuerdan el año pasado cuando arrancaron las eliminatorias y todos creíamos que ibamos a clasificar a Sudáfrica 2010? Recuerdan que en la nómina de la Selección Colombia había un jugador del que nadie había oído hablar que le estaba yendo bien en Francia llamado Carlos Sánchez? Pues bien, creo que resulta apropiado decir que he encontrado la versión musical del jugador del Valenciennes en The Sound of Lucrecia, cuyo EP Like Being Home me ocupa en esta ocasión.

Hablar del trabajo de esta Pereirana resulta un lugar un poco complicado para mi. Como quienes leen este blog con cierta regularidad saben, una de las cosas que me cose las medias de un artista nacional es el hecho que canten en un idioma distinto al español; principalmente porque como en muchas otras ocasiones, eso se convierte en una cortina de humo para ocultar las evidentes fallas en su ejecución, sin embargo este no es el caso con la talentosa Srta. Pérez; una de los primeros elementos que se nota al escuchar la música de ella es un elegante y sugestivo minimalismo, hay una 'econocmía de movimiento' en los arreglos de percusión y cuerdas que hace que aunque tengan presencias muy sutiles, como en la canción que abre el EP, Let's Pretend, son fácilmente identificables y reconocibles, dandole una identidad clara al sonido

Por otro lado, a lo largo del EP es posible ver como otra de las grandes cualidades del sonido de Lucrecia es la conjunción de elementos acústicos, eléctricos y electrónicos de una forma increiblemente natural, algo que aparece en todas las canciones del EP, pero se manifiesta con mayor fuerza en Changing the Weather, en la que los loops secuenciados, junto con la batería y la guitarra logran crear una atmósfera envolvente y muy ambiental en la que la dulce voz de Lucrecia se ubica en el medio, manifestándose en capas y capas de sonido que logran atrapar a quien las escucha de una forma sutil, elegante y sorprendente.

No me resulta descabellado decir que, junto con Austin TV, The Sound of Lucrecia es uno de los descubrimientos mas agradables de este año que ya está peligrosamente cerca de su final. Con elementos Ambient, Indie y Pop, Nos encontramos ante una de las propuestas mas interesantes que ha salido de Colombia en un buen tiempo, una combinación audaz y sorprendente entre elementos de Cat Power y PJ Harvey, altamente recomendada, y que merece toda la atención en el panorama musical nacional

Babasónicos - Mucho

Cuando pienso en Babásonicos, por alguna razón mi cabeza me lleva a 1994-96, época de presidentes de moral reprochable, bajísima gobernabilidad y elefantes en la plaza de Bolívar... También fue la época de mi torpe preadolescencia (Que difiere de mi torpe POST-Adolescencia), y en la que la mayoría de adolescentes que conocía por ese entonces (Es decir, mi hermano y mis primos) estaban configurando sus gustos musicales, entre los cuales se encontraba la inclinación de mi prima por el sonido del sur del continente, que incluía a Adrián 'Dárgelos' Rodriguez Et. Al, si la memoria no me falla (Aunque ahora diga que el tipo es feo como un insulto, que es cierto), sin embargo ya no estamos en la década en la que los quemadores de CD eran un lujo y una conexión de internet de 56K era súper rápida, sino en la época de los quemadores de DVD y las conexiones de 1024K, y hemos pasado de Babasónica, Dopádromo y Trance Zomba a Mucho, el álbum que nos ocupa en esta ocasión.

La impresión inicial que deja Mucho es la confirmación de la teoría que desde su álbum de 2003 InFame ha habido un cambio en el sónido del grupo argentino, marcado sin duda alguna por la salida de DJ Peggyn hacia el final de la década de los 90 y que hizo que la banda se concentrara en un sonido mas inclinado al rock que a la electrónica (o por lo menos a la combinación con la misma); El sonido de Mucho es un sonido lleno de guitarras que aunque elegantes, no tienen miedo de ponerse pesadas como ocurre en Estoy Rabioso o Cuello Rojo, canciones que son puro Rock & Roll, descaradas y que hacen que el publico se mueva sin orden ni concierto, al mismo tiempo que El Ídolo tiene un curioso dejo country y que me recuerda a Una Muchacha Y Una Guitarra del inmortal Sandro de América. Es un sonido que resalta ese aire de 'Elegante decadencia' que acompaña a la banda desde InFame, una voz que aunque tiene un aire de copas de Champaña tomada en partidos de Polo, y que son servidas por chicuelas que solo usan hotpants y sombreros fedora de ala corta, no tiene miedo en mostrar un grado de percibida vulnerabilidad, como ocurre en Pijamas ('Por única vez, te pido que entiendas que este no es un cuento que lo invento yo') o en Como Eran Las Cosas ('Creo que es momento para otra bomba de humo y batirme en retirada' (...) 'Quizás fue en la mañana en la que vendados los dos descubrimos como eran las cosas' (...) 'Entonces deshaz el hechizo que me obliga a arrastrarme entre Guinea y tus sábanas'). A la vez que MicroDancing es la prueba que las costumbres viejas tardan en morir, en sus 3 minutos y 25 segundos es IMPOSIBLE no moverse con movimientos que son descendientes directos del padre de todos los bailes: el baile del Robot, y que aunque en su sonido desentona un poco con el aire general del álbum, es una canción tan pegajosa que realmente se les perdona ese yerro.

Con un sonido agalludo, elegante y decadente, Mucho pelea uno de los puestos en la lista de mejores álbumes del año, altamente recomendado y disfrutable (aunque bastante corto para mi gusto, y me quedé con ganas de mas).

En otras noticias, algunas de las fotos que tomé en Rock al Parque están disponibles en mi galería de Flickr (ya saben... el link que dice 'Flickr Gallery') así mismo, algunas de esas fotos están disponibles en el grupo del evento, fotos altamente recomendadas.

Y ya, hablamos luego, cuidense.

Austin TV - Fontana Bella

Hoy quería escribir sobre Kathleen Hanna (A fin de cuentas, la sección 'Where The Grrls Are' solo podía ser inaugurada por la Grrl Original), pero ya que tras una búsqueda mas o menos intensiva me topé con esté álbum, no podía dejar pasar la oportunidad, aunque se sienta como que ya estoy dando demasiada alharaca con lo de RockalParque (Algo así como CNN y las elecciones de EEUU).

Probablemente la sopresa mas agradable que nos trajo este festival fue la excelente presentación de la banda Mexicana Austin TV. Para ser honesto, estaba bastante prevenido ante la presentación de los del D.F; si mi memoria no me falla, la primera vez que supe algo de ellos fue hace unos tres años, en algún canal de cable de cuyo nombre no quiero acordarme, e inmediatamente me sentí poco interesado en el carácter (a mi juicio) gimmicky de la banda, al verlos escondidos tras sus máscaras, inevitablemente las juzgué como un intento de distraer la atención sobre su música.

Una vez mas, estaba increiblemente equivocado.

Lo que hace la propuesta visual de Austin TV, es resaltar la increiblemente arrolladora fuerza de sus canciones, llenas de guitarras distorsionadas dispuestas a arrastrar a quienes las escuchan por los paisajes que crean sin ningún reparo, como ocurre en la canción que abre este álbum, Ana no te fallé, al mismo tiempo que logran conjugar guitarras acústicas y eléctricas de una manera que no se siente para nada forzada, como ocurre en Nadie está aquí, no hay nadie, nada hay aquí, que además, es otra de las canciones en las que es posible encontrar los precisos arreglos de teclado cortesía de Chiosan (La tecladista de la banda). Aunque completamente instrumental. Los sampleos de voz que aparecen en canciones como Flores sobre las piedras tienen la asombrosa propiedad de convertirse casi que en un instrumento mas, apareciendo en momentos puntuales y apropiados de la canción, sin quitarle protagonismo a los otros instrumentos.

Trato desesperadamente de buscar algún punto flaco en este álbum, pero a pesar de mis mejores esfuerzos (y eso que soy bien criticón) no lo hallo. Fontana Bella es un álbum en el que la sutileza y la violencia encuentran un jardín en el que pueden jugar, con guitarras desgarradoras y una simpleza casi infantil. Sin lugar a dudas, la sorpresa mas agradable del Festival Rock al Parque presenta uno de los mejores álbumes de este año, y se configura como la respuesta Región 4 a Mogwai.

Rock al Parque 2008 II

Y como había dicho el miércoles, hoy hablaré de cositas que me quedaron en la cabeza despues de Rock al Parque.

• De Árboles en la Yarda

Cuando hablaba de The Hall Effect, comentaba lo molesto que me resultaba que una banda cantara en un idioma distinto a su lengua materna, pero encuentro aun mas molesto el hecho que mezclen inglés y español en una misma canción, como ocurrió en la presentación de Swingers. No tiene que ver con la pronunciación o el acento que tengan (Como lo demostró Mmodcats), sino que me parece que esa excusa en la que se han refiugiado las bandas que 'El español no es un idioma que se presta para el Rock' es una excusa que carece de fundamento... A fin de cuentas, si Ratos de Porao puede hacer Hardcore en portugués, porque no se puede hacer rock en español?

• Solo pueden llegar hasta cierto punto...

Hay que quitarse el sombrero ante la organización del festival a la cabeza de Daniel Casas C. El sonido de las bandas en esta ocasión fue probablemente, el mejor sonido que ha tenido el festival en su historia, en algunas ocasiones, demasiado bueno... Durante la presentación de Panteón Rococó tuve que irme a un lugar mas alejado porque sentí que el bajo me estaba reventando los huesos (En otras noticias, hay que quitarse el sombrero ante una banda que logra hacer temblar la tierra). Inevitablemente hay que hablar del clima; gracias al calentamiento global y sus temporadas de lluvias mas virulentas, ya son dos años en los que toca reprogramar todo y cancelar escenarios. Contrario a lo que algunos creen, la solución no es cambiar de fecha, lo queramos admitir o no, esta es la única fecha en la que se puede garantizar la presencia de bandas como Bloc Party por estos lares, y otra incómoda verdad es el hecho que en Bogotá, llueve mas de 180 días al año, lo que no nos deja muchas opciones... Es en este tipo de situaciones cuando se evidencia mas que nunca la necesidad de un escenario apropiado para conciertos y eventos similares, y para chasquearle el dedo a Samuel Moreno porque ya me arrepentí de haber votado por el.

• Metäl/Metal/Metál

Es la pregunta que siempre sale a la hora de hablar de Rock al Parque: ¿Porque dedicarle un día entero a un género?, a fin de cuentas, quienes se adscriben al Metal, a pesar de tener una gran diversidad, parecen regodearse en aislarse cada vez mas y mas de otros géneros y propuestas. Ciertamente es una situación complicada, cuyo cambio depende no solo de quienes escuchan y hacen Metal, sino de la organización del festival, que cada vez mas va adquiriendo cierto grado de autoridad en lo que se refiere al rock distrital y nacional, que debe crear los espacios que permitan una integración entre los géneros musicales, algo que a fin de cuentas, contribuirá al avance del Rock nacional y distrital.

Y así termina otro Rock al Parque, ahora solo nos queda esperar al siguiente año y volver a disfrutarlo.

Hasta el Lunes.

Rock al Parque 2008 I

A poco menos de 24 horas de haber terminado la 14va edición de Rock al Parque no estoy muy seguro de saber por donde empezar para comentar las impresiones que el evento dejó en mi... De momento hoy voy a hablar de las presentaciones y el viernes me dedicaré a comentar algunas conclusiones que me dejaron lo ocurrido este fin de semana.

Ya me atrevería a decir que uno de los temas constantes de este blog es 'Julián tiene una opinión preconcebida sobre algo que cambia una vez ve ese algo directamente', y he de decir que ese es el caso en esta ocasión, mas específicamente en lo que al Rock nacional se refiere. Mi principal percepción era que la escena nacional (y la distrital) estaba compuesta por bandas que se refugiaban en su situación para justificar una aparente precariedad técnica, algo asi como decir 'Somos malos porque no tenemos recursos y figuró quedarnos así', una afirmación que realmente se encuentra lejos de la verdad. A pesar de la seguidilla de cambios en la programación, el público tuvo la oportunidad de ver a bandas que realmente se toman en serio, no solo en lo que se refiere la calidad de su sonido en términos de su ejecución y su técnica, sino que en esta ocasión aparecieron bandas con una puesta en escena realmente sólida, como el caso de Mmodcats; siempre he estado algo receloso del Art-Rock porque las mas de las veces la propuesta visual es usada como una forma de enmascarar las limitaciones del sonido de la banda, pero este no es el caso. Es reconfortante ver a una banda solida en todos sus aspectos, Tantan Morgan me sorprendió gratamente con un estilo sobre el escenario que recuerda a James Chance y Howlin' Pelle Almquist, mientras que la mística de Silvie Lucy-Elliot es siempre bienvenida en una bajista. Por otro lado, la presentación de Swingers fue una presentación con altas y bajas; aunque dejaron la impresión de ser una banda solida y trabajada, tambien dejan en el público la pregunta sobre si no estan abarcando mas de lo que podían apretar...Si bien es agradable ver que en una banda sus miembros pueden pasar de un instrumento a otro, Swingers lo hicieron en demasía, cambiando tantas veces que no fue posible quedar con una impresión duradera del sonido de la banda. Para cerrar esta breve mirada a las bandas nacionales diré que SantaFuma fue probablemente el punto bajo del cartel nacional, no por su ejecución sino por los lugares comunes a los que acuden dentro de su sonido, mientras que Doctor Krápula se ha convertido en el U2 criollo no por su sonido, sino por un activismo fashion que realmente se está convirtiendo en una molestia (Hablaré en detalle de eso el viernes), mientras que Odio a Botero demostró de nuevo porque, junto a IxRxA son los padrinos del Punk nacional.

En lo que a las bandas internacionales se refiere, Al que quiera mas, que le piquen caña, Ratos de Porao, Carcass y Paradise Lost literalmente la sacaron del parque. La banda de Joao Gordo demostró porque Sao Paulo y Rio de Janeiro deben ser consideradas las capitales suramericanas del Hardcore, mientras que Carcass y Paradise Lost paladearon a la diversidad que existe en lo que a géneros de metal se refiere. Por otro lado, México aportó la sorpresa mas agradable del festival: Austin TV, originalmente no les había hecho mucho caso por la misma razón por la que trato de no ponerle mucha atención al Art-Rock, pero bastó con la presentación de ellos el día lunes para deshacer esa idea: Guitarras llenas de distorsión, energía y peso, conjugadas con un excelente manejo del escenario que les hizo establecer una conexión inmediata con su audiencia, mientras que la otra banda mexicana, Los Concorde, le hizo honor a su carácter de supergrupo: la unión de Fobia, Plastilina Mosh, La ley y Resorte solo podría dar como resultado una banda madura y de mundo, que sabe lo que hace y lo hace muy bien. Para ir un poco mas al sur del continente, Babasónicos tambien dió un muy buen concierto (para ser honestos realmente quería que tocaran MicroDancing para hacer el baile), La voz ligeramente nasal de Adrián Dárgelos y ese aire de elegante decadencia que exuda la banda hacen que sea uno de los mejores vocalistas que ha salido de Argentina, y un sucesor razonablemente digno de Sandro de América (Lo siento Má).

Quizá fue la lluvia, quizá fue la espera, pero en buena parte fue la energía que le metieron lo que hizo que la presentación de Black Rebel Motorcycle Club haya sido una de las mejores presentaciones en vivo que he visto. A pesar del linaje Folk, Bluesero, Garage y Rock & Roll que posee el trío de San Francisco, realmente nunca se puede negar de donde viene uno, lo que quedó demostrado con las excelentes improvisaciones en temas como 6-Barrel Shotgun o Whatever Happened to my Rock & Roll?, improvisaciones que en ningun momento se oyeron forzadas y que como las buenas visitas, supieron exactamente cuando irse. Por otro lado, la similitud del timbre de voz entre Robert Levon-Breen y Peter Hayes hizo que el paso de uno al otro en las labores vocales fuera increiblemente sutil y sin interrupciones. Por su parte, Bloc Party demostró que es de esas bandas que es mejor en vivo que en estudio (lo cual ya es mucho decir). Aunque sigo afirmando que Intimacy no es su mejor álbum, canciones como Halo o Mercury son canciones que escuchadas en vivo son increiblemente fuertes y atrayentes, conjugado con la fuerza de Kele Okereke en vivo, el vínculo que establece con su audiencia y, haciéndole caso al juego de palabras, la sensación de intimidad (Intimacy) que logra, una hazaña si tomamos en cuenta la audiencia tan grande ante la que tocó.

Como el cartel del festival lo sugería, y a pesar de los inconvenientes que dio el clima, esta ha sido la mejor edición del festival en los ultimos años, y probablemente una de las mejores (si no la mejor) de su historia. El viernes hablaré entre otras cosas, de la situación con respecto al rol del Metal en la programación, los problemas de las bandas nacionales, y como carajos se puede resolver el problema del clima. Mientras tanto, aqui hay unas fotos:

Moviendo El Músculo Democrático

Encuentro la idea de unas elecciones tan excitante como el hecho que ya vivimos en el futuro cercano. Ya sea acá en Colombia o en alguna otra parte del mundo, el hecho que los ciudadanos le dan a un par el control sobre el gobierno es un testimonio de aquello de lo que es capaz el ser humano; A partir de ahi que siga con bastante interés las elecciones presidenciales en EEUU, que tienen el valor agregado que se estará eligiendo al Comandante-En-Jefe de la máquina de guerra mas grande del mundo, y esas no son ningunas chichiguas (Además que esa pantalla sensible al tacto que usan en CNN me parece la locura).

Y que mejor manera de conmemorar ese hecho que con American Idiot de Green Day, que a mi juicio, es el mejor álbum de Green Day desde Dookie. Desafortunadamente, quedó atrapado en la invasión emo de 2005 por lo que fue muy mal mirado por muchos, pero es realmente bueno, y es otro de los mejores álbumes de la década, además que me parece que es una radigrafía medianamente adecuada de lo que está pasando en el vecino del norte hoy en día, situación para que creo, está mas preparado Barack Obama, sin mencionar el hecho que Sarah Palin es una mujer que bajo ninguna circunstancia debe estar cerca de la presidencia de los Estados Unidos, no solo por su absoluta falta de preparación, sino por el hecho que Palin apela a los lados mas oscuros de la población estadounidense.

Sea como fuere, este es un blog de ñoñerismo musical, y no de ñoñerismo político, así que aqui va el video, y los invito a que escuchen el álbum en un gran loop el martes 4 de Noviembre.

De Narices Que Crecen Y Vidrios Rotos

Como es razonable suponerlo de alguien que pone en su Top 3 de bandas favoritas a Los Misfits, y como una de sus peliculas favoritas Freaks, la festividad antes conocida como Samhain, ahora conocida como Halloween, y/o Noche de Todos los Santos...No es algo que tenga que ver con un interés en lo oculto o algo parecido, simplemente me gustan las imagenes asociadas a la celebración y me parece que es una buena excusa para ver peliculas como la antes mencionada, El Show de Terror de Rocky, o La Casa de los 1000 Cuerpos. Con eso en mente, pensé que era buena idea hacer una pequeña lista de canciones apropiadas para la fecha y que no deberían faltar en una fiesta de 31 de Octubre.

Thriller - Michael Jackson
Halloween - The Misfits
Astro Zombies - The Misfits
Dig Up Her Bones - The Misfits
Pet Sematary - The Ramones
Texas Chainsaw Massacre - The Ramones
Sheena is a Parasite - The Horrors
Monster Mash - Bobby 'Boris' Pickett (Aunque tambien es recomendable la versión de Los Misfits en su álbum Project 1950)
Am I Demon - Danzig
Ghouls - HorrorPops
Where They Wander - HorrorPops
Thunderkiss ' 65 - White Zombie
Dragula - Rob Zombie
Yo Pumpkin Head - Yoko Kanno & The Seatbelts (Para poner las cosas un pelín mas festivas)


De momento, son las canciones que se me ocurre pueden servir para animar un jolgorio en estas fechas...Pienso un poco en el hecho que quizá suene un poco pretencioso y hasta paternalista de mi parte decir esto, pero aqui va: En muchas ocasiones es simple amarillismo de los medios, acompañado del fanatismo de una que otra beata, pero la triste verdad es que hay cada enfermo dispuesto a hacer daño en estas fechas, asi que en el caso de que alguna de las personas que lee esta página se decida a llevar a un niño a pedir dulces, nunca hay suficientes precauciones: Llevénlos de la mano y no los suelten bajo ninguna circunstancia, especialmente si van a un sitio publico como un centro comercial, si hay alguien de aspecto sospechoso rondando por ahi, lo mejor es dar aviso a alguna autoridad e irse lo mas rápido posible, y por favor revisen cada dulce que les den a los niños, y asi asegurarse que no esté adulterado o algo peor.

En otras noticias estaré en Rock al Parque el sábado, domingo y lunes. El post del lunes será algo pequeño y sustancioso, probablemente que tenga que ver con las elecciones de EEUU, el miercoles todo volverá a la normalidad y en la medida de lo posible, hablaré sobre el festival. Si van a Rock al Parque, diviertanse, pasenla bien y no hagan nada estupido.

Ah si, y feliz Halloween para todos

Snow Patrol - A Hundred Million Suns

Hay algo peculiar en la imágen de los chicuelos de Snow Patrol... Es hasta cierto punto lo mismo que ocurre con Coldplay y es esa aura de 'buenos chicos' que emiten, dan la impresión de ser la clase de sujeto que las mamás quieren como novios para sus hijas, y para rematar hacen música, como nos lo muestra su álbum mas recente, A Hundred Million Suns.

La primera vez que hablé de Snow Patrol en este blog, comentaba como son la encarnación mas mainstream de la idea del rock de garaje, con una imagen mas limpia que, por ejemplo, Arctic Monkeys, a la vez que tienen un sonido mas pulido y radio-friendly, con una inspiración lírica que tambien es distinta, lejos de noches de licor y unos cuantos puños, las canciones de Snow Patrol giran alrededor de relaciones, bien sea que estén iniciando, estén en su mejor momento, o estén yendose por el drenaje.

En ese sentido, A Hundred Million Suns marca una diferencia con respecto a su anterior álbum Eyes Open, mientras que su álbum de 2006 tenía canciones como Open Your Eyes, Chasing Cars o Set The Fire To The Third Bar (esta última con la colaboración de Martha Wainwright), canciones que hablaban de aquello que podía ser y no era, de lo que se quería con desesperación y de lo que se estaba irremediablemente alejado, las canciones que componen la grabación de 2008 se centran en el momento de la relación cuando esta está funcionando, centrandose en esos pequeños momentos de cotidianidad a los que uno se aferra despues, detalles pequeños como la forma en la que se enreda su pelo, sus gestos al comer o un ligero pero significativo roce de pieles, Crack The Shutters Open es una canción que habla de manos frías al despertar y como la luz del sol se enreda en el rostro y cuerpo de una mujer, mientras que The Planets Bend Between Us habla de ese momento inevitable en el que uno quiere gritar a los cuatro vientos que todo lo que hace y vive es en función de esa persona, a la vez que The Golden Floor juega con una sensación tan básica pero a la vez tan fundamental como sentir el cuerpo de alguien cerca al propio y todo lo que pasa por la cabeza en ese momento.

A pesar de las diferencias en el material lírico, A Hundred Million Suns sigue el camino trazado por Eyes Open
en términos de su sonido; apoyados en la continuidad de la producción de Jacknife Lee, este álbum sigue en el camino de lo pulido, añadiendo arreglos de teclados y cuerdas que elevan el coeficiente de radio-friendliness del álbum.

En un mundo donde esos términos (Radio-friendly y Mainstream) son utilizados con carácter peyorativo, este nuevo álbum de Snow Patrol demuestra que eso no es necesariamente cierto, que a la vez que se puede 'paladear a las masas' es posible crear algo con caracter y peso, como lo es este álbum.

The Raveonettes - Lust, Lust, Lust

Escuchar a The Raveonettes es como escuchar al hijo bastardo de Ronnie Spektor y Jesus & Mary Chain. El sonido de Sune Rose Wagner y Sharin Foo le pide prestado tanto a las guitarras y los beats propios del sonido de los '60 como al muro de sonido y al reverb infernal de finales de los 80 y principios de los 90, y esta combinación se hace mas notoria en su cuarto álbum, Lust, Lust, Lust, lanzado este año.

Desde sus comienzos, la banda ha sido bastante directa a la hora de dejar ver a quienes han influido en su sonido, a fin de cuentas, en su anterior álbum Pretty in Black, colaboró nada mas y nada menos que Ronnie Spektor, y fue producido por Richard Gottherer, responsable de canciones como I Want Candy. A pesar de ello, este álbum evoca un feel distinto a sus anteriores trabajos. Producido enteramente por Sune Rose Wagner, se inclina mas hacia el muro de sonido y al reverb que al feel sesentero, con lo que este es, hasta el momento, su álbum mas minimalista; un minimalismo que viene dado por la sensación que deja el sonido del álbum en quien lo escucha, con el valor agregado del trabajo vocal tanto de Wagner como de Foo, aunque no son precisamente vocales susurradas, si se pierden un poco dentro del muro de sonido de las guitarras, haciendo que el sonido de este álbum se asocie mas con el Shoegazer que con cualquier otra cosa, como lo muestran canciones como Expelled from Love, Aly, Walk With Me con el brutal muro de sonido que construye hacia el final de la canción. Por otra parte, la batería en canciones como la apropiadamente llamada Lust parece sampleada del mismísimo PsychoCandy, lo cual no debe tomarse como algo negativo, sino como un testimonio mas del sonido y las influencias que inspiran este álbum.

Por otro lado, canciones como Sad Transmission, Blitzed o You Want The Candy (Un titulo bastante irónico si me lo preguntan) nos demuestran que Wagner y Foo no han olvidado de donde vienen: Canciones con armonías que recuerdan a los buenos días del surf rock e invitan a intensivas sesiones de rockanroleo.

Contrario a otras ocasiones, este album no es un buen punto de inicio para conocer a este dúo Danés, es mucho mas recomendable familiarizarse con sus anteriores álbumes antes de llegar a Lust, Lust, Lust, sin embargo eso no debe interpretarse como una falta de méritos del álbum, no por nada lo considero uno de los mejores álbumes de esta década, y es altamente recomendado para aquellos a quienes nos gusta el shoegaze.

Kate Nash - Made of Bricks

Como lo comentaba a la hora de hablar de The Ting Tings, podría decirse que estamos ante una nueva invasión de Brit Pop, siendo esta nueva versión mucho mas pop que aquella con la que nos encontramos en la década de los 90. Y dentro de los nombres que hacen parte de esa invasión está Kate Nash, cuyo álbum Made of Bricks es el que nos ocupa en esta ocasión.

Tanto la portada del álbum, como la imagen misma de Nash y el sonido del álbum en general evocan una sensación de algo que es juguetón, simpático y lleno de colorido. Al oir canciones como Foundations, Mouthwash, Mariella, Pumpkin Song o Skeleton Song es inevitable pensar en pasteles de fresas con crema batida, medias de color azul cielo con lunares blancos, y chicas pelirrojas de flequillo a las que les gusta usar esas medias. Es un sonido dulce, pero dulce como el azucar natural, no como el Aspartame y el NutraSweet, lleno de melodías que uno puede escuchar a las 7 y 37 de la mañana en el bus camino al trabajo y te dejan con una sonrisa en la cara a pesar de lo atestado que está el bus, y hacen que se llgue al trabajo con una sonrisa en la cara, y que sea mas fácil lidiar con algun compañero de trabajo dispuesto a clavarle el puñal en la espalda a uno.

Aun asi, no todo es dulzura en el mundo de Kate Nash, y así como sus melodías son tan dulces como un brownie con arequipe, las letras de sus canciones son como pegarle un mordisco a un limón grande y maduro. Al ponerle atención al contenido lírico de las canciones que componen el álbum, es fácil darse cuenta que Nash le ha puesto mucha atención a la idea de la escritura de canciones como un método terapeutico; Así como Foundations tiene una melodía dulce y encantadora, la letra de la canción es todo lo contrario, hablando de una relación que no va para ningun lado: 'Then you'll call me a bitch, and everyone we're with will be embarrassed, and I wont give a shit' (Entonces me llamarás 'perra', y todos con los que estamos se avergonzarán, y no me importará ni mierda'), y aun cuando no va a ningun lado, ambos se aferran a ella de una manera mas bien patética, mientras que Merry Happy habla de lo que pudo ser y no fue: 'Don't you try and tell me that never loved me, Coz I know that you did, Coz you said it and you wrote it down' (No trates de decir que nunca me amaste, porque se que lo dijiste, porque se que lo escribiste).

Mención aparte merece Nicest Thing, una arrolladora combinación entre una sencilla instrumentación y arreglos, y la voz de Nash que deja su tono de adolescente juguetona para mostrarnos a una mujer que ha amado y perdido, pero que está dispuesta a entrar a la pelea de nuevo.

Con una estética que parece sacada de un libro de Roald Dahl, y un sonido que a la vez que es encantador habla del amor la perdida, y los corazones rotos, Made of Bricks es un album altamente recomendado, mientras se espera al siguiente album de Nash, que estará listo para el siguiente año.

En Avisos Parroquiales, la programación de la edición número 14 de Rock al Parque ya está disponible...Sin lugar a dudas, esta promete ser de las mejores ediciones del festival en un buen tiempo, tomando en cuenta las banderillas de los invitados. A fin de cuentas, ver a Ratos de Porao, Carcass, Odio a Botero, Babasónicos, Bloc Party y Black Rebel Motorcycle Club en un mismo escenario no es algo que ocurra con mucha frecuencia.

Sigur Rós - Með suð í eyrum við spilum endalaust

He de ser brutalmente honesto en esta ocasión (No quiero decir que en otras ocasiones no lo haya sido, sino que en esta lo soy de una manera brutal): Si alguien me pregunta si me gusta Sigur Rós, la respuesta es No. Mi descontento con ellos tiene que ver con sus primeros álbums, Von, Agaetis Byrjun y ( ). Esos tres álbums, especialmente el tercero, se me hacen increiblemente etereos, y por lo tanto, dificiles de anclar. Al escucharlos, siempre quedo con esta sensación de no saber que escuché realmente, a pesar de ello, en los últimos años me he tenido que tragar mis palabras un poco, con sus mas recientes álbums, Takk... y el que me ocupa en esta ocasión, Með suð í eyrum við spilum endalaust.

Si he describir el sonido de la banda islandesa en este álbum con una sola palabra, creo que esa palabra sería celebración, aunque ciertamente no han dejado del todo atrás ese sentido de hermosa melancolía que acompañaba a sus anteriores trabajos, como lo muestra de manera tan contundente su canción Staralfur, este nuevo album sigue el camino que empezó a trazar Takk..., su album del año 2005; en Með suð í eyrum... canciones como Gobbledigook, Inní mer sur syngur vitleysyngur, Við spilum endalaust, Með suð í eyrum o la aptamente llamada Festival (que por cierto, tiene uno de los finales mas hermosos que he oído en un buen tiempo para una canción) son temas que ponen de manifiesto el carácter festivo, alegre, y si me permiten el término, ciertamente juguetón que tiene este nuevo álbum de Jónsi & Cía. Un carácter que empieza a manifestarse desde la misma portada del álbum, con su fotografía de cuatro personas haciendo Streaking.

Creo que el cambio mas importante que tiene este album es el cambio tan significativo que ha tenido Sigur Rós en la instrumentación y en los arreglos, y que es un cambio que viene desde Takk... aunque sigue teniendo un carácter minimalista, se podría decir que es una clase distinta de minimalismo, uno mucho mas orgánico y menos etéreo, por lo que la experiencia de escuchar el álbum deja a quien lo hace con la sensación de haberse encontrado con algo tangible y anclable a una experiencia, lo que realmente no ocurría con sus anteriores producciones.

Aun asi, este álbum aun tiene algo para complacer a los admiradores del sonido 'Vieja Escuela' de la banda, como lo demuestra Festival, aunque su segunda mitad es todo lo que he mencionado hasta el momento, la primera parte es todo lo que era Sigur Rós antes, y uno no puede dejar de pensar que quizá la canción estaba mejor partiéndola en dos... a fin de cuentas, junto con Ára Bátur, es la unica canción del album que coquetea con los 9 minutos de duración.

No tengo ningun problema en admitir que tengo que tragarme mis palabras en lo que a Sigur Rós se refiere, por lo menos, con este álbum: mostrando un sonido que sigue siendo filosoficamente fiel a los anteriores trabajos de la banda, Sigur Rós muestra en Með suð í eyrum við spilum endalaust un sonido que tambien puede ser de mas fácil acceso y que resulta ser una experiencia altamente reconfortante y recompensante.

Where The Grrls Are...

Me gusta creer que el hecho que ocasionalmente me fije en alguna peculiaridad de mi colección de música es un testimonio del hecho que estoy calificado para hacer el trabajo que hago, en esta ocasión, me fijé en el hecho que existe una representación mas o menos equitativa en lo que se refiere a género... Y eso me hace pensar un poco en el lugar que ha ocupado la mujer en la música en los últimos años.

La verdad es que infortunadamente, el lugar de la mujer se ha visto influido por el lugar que ha adquirido en la sociedad occidental, y mas especificamente, del lugar que ha adquirido dentro de la cultura blanca anglosajona. En una sociedad donde el ser blanco, anglosajón y de clase media era, por lo menos, la garantía de una vida sin muchas premuras, la mujer vino a ser relegada al lugar de un objeto, algo para ver y admirar sin tener un interés por aquello que tenga que decir y/o opinar. Para ilustrar mi punto, remitámonos al mainstream de los años 60, cuando el Rock estaba en su primera infancia para darnos cuenta que el cromosoma XX estaba relegado a un lugar de 'mirar, pero no tocar', determinado por la forma de participación que tenían en la música de la época: Aunque eran protegonistas de las canciones, por alguna misteriosa razón se veían relegadas a la categoría de 'Objeto Inalcanzable' o 'Despiadada Rompecorazones'; al mismo tiempo, el lenguaje que se usaba en las canciones tenía un dejo bastante incómodo, usando constantemente el término 'girl' (chica) en lugar de 'woman' (mujer), aunque para ser honestos, ese era mas bien un sintoma de toda la cultura popular: por ejemplo, en Los Cuatro Fantásticos y los primeros números de los Hombres-X, los personajes de Sue Storm y Jean Grey usaban los nombres clave de 'Invisible Girl' (Chica invisible) y Marvel Girl (Chica maravilla), no sería hasta varios años que cambiarían sus nombres a 'La Mujer Invisible' y 'Fénix'. Por otro lado, la participación de las mujeres en la música de la época estaba reducida a un pop sacarinoso que aunque interesante musicalmente hablando, no era precisamente el paraíso de la igualdad de la mujer, con canciones cuyas protagonistas a la luz de hoy, perfectamente calificarían como victimas de abuso emocional por parte de los patanes con los que estaban saliendo. Sin embargo, cabe anotar que fuera del mainstream la situación no era asi, mujeres como Billie Halliday o Ella Fitzgerald estaban dentro de sus respectivos géneros en una situación de paridad, o incluso, de superioridad con respecto a los hombres, fue esta situación, junto con los cambios sociopoliticos de la época que se pavimentó el camino para mujeres como Janis Joplin.

La década de los 70 llegó de la mano con el movimiento de liberación femenina. Artistas como The Runaways, Suzi Quattro y Joan Baez siguieron el camino trazado por Joplin. Las primeras, aunque habían sido pensadas como un proyecto manufacturado, terminaron mostrando un Rock & Roll extremadamente honesto, que vendría a estar relacionado con la revolución Punk; mientras que Baez se apegó a un sonido mas folk que le hacía un complmento harto interesante al sonido de Bob Dylan. Al mismo tiempo, la revolución que se estaba gestando en las calles de Nueva York y Londres tenía un aporte muy importante de las mujeres, como lo testimonian la importancia de nombres como Patti Smith y Deborah Harry en Nueva York, o Chrissie Hynde, Ari Up, Poly Styrene y Vivienne Westwood en el movimiento punk inglés. El rock dejaba de ser un 'Ol' Boys Club' para convertirse en un espacio mucho mas pluralista, con mas voces que a su vez tenían mas temas y situaciones sobre las cuales hacer música, con inspiraciones que no solo venían de su historia de vida sino de la literatura con la que habían tenido contacto como Rimbaud o los autores de la generación Beat.

Desafortunadamente, esa situación cambiaría en la década de los 80. La llegada al poder de Ronald Reagan y Margaret Thatcher al gobierno de los EEUU y el Reino Unido respectivamente, trajo como consecuencia la intrusión del estilo de vida yuppie como la norma. Como consecuencia, el Rock se convirtió en una burla de si mismo; las bandas de Hair Metal se convirtieron en la norma y no en la excepción: Van Halen, Poison (Como quizá algunos de ustedes ya se hayan dado cuenta, Bret Michaels es mi archi-nemesis), WhiteSnake y un larguisimo etcétera volvieron a poner a la mujer en la categoría de objeto, al mismo tiempo que las propuestas hechas por mujeres que llegaban al mainstream solo eran una contraparte a lo que hacían los hombres, como en el caso de The Bangles, o incluso de Joan Jett. En el ruido ensordecedor que se había creado, lo que hacía alguien como Kate Bush quedaba irremediablemente perdido en el ruido, por otro lado, el movimiento punk, que vino a convertirse en el HardCore de los 80 terminó por transformarse en una escena extremadamente excluyente. A pesar de ello, los últimos 20 años han representado un cambio en esa situación (Como lo mencionaba en otras ocasiones, me resulta muy dificil creer que esta década ya esté llegando a su fin). La revolución gestada por el movimiento Riot Grrrl a la cabeza de Kathleen Hanna recuperó la voz que las mujeres parecían haber perdido en la música, al mismo tiempo que empezaron a aparecer nombres como Björk, o PJ Harvey que siguen mostrando propuestas muy válidas hoy en día, al mismo tiempo que alguien como Alanis Morrisette se dedicaba a darle la voz a la mujer y a la adolescente que habían sido objetivadas por tanto tiempo y que oh, sorpresa! tambien tienen algo que contar.

Es mucho el camino que se ha recorrido, pero al mismo tiempo, es mucho el que queda por recorrer para que haya una verdadera igualdad de géneros en lo que a música se refiere. Y esta nueva serie de posts va a echarle una mirada al asunto. Así que los admiradores de Joan Jett, Lita Ford, Cat Power, Deborah Harry, PJ Harvey, Shirley Manson, Patti Smith, Siouxsie Sioux, Björk, Kate Bush, Neko Case, Sahara Hotnights, The Donnas y un larguísimo etcétera deberían estar pendientes.

Me creerían si les digo que existe una versión Latin Jazz de Breaking The Law?

Me creerían si les digo que la pueden escuchar acá?

Mogwai - The Hawk Is Howling

Esta reseña hace parte de un ejercicio harto interesante, creo yo. Junto con Gloria (de Jurado por Madonna), hemos elegido un álbum que será reseñado por cada uno muy a su manera y muy a su estilo...Como resulta razonable suponerlo, les invito a que tambien lean el ejercicio realizado por Gloria, junto con las otras mucho muy interesantes reseñas que ha escrito en su página.

Como me ocurre mas de una vez con las bandas y artistas que escucho, el conjunto post-rock escocés Mogwai era una de esas bandas de las que siempre había oido hablar (y bastante bien, por cierto), pero nunca me había sentado a escuchar con verdadero juicio, fue hasta comienzos de 2006 cuando me decidí a hacerlo gracias a las menciones que se hacían de la banda en Questionable Content de Jeph Jacques, sin duda alguna, uno de los mejores webocmics que existe en la actualidad (Aunque esa es historia para otro día). Para cuando los descubrí, su álbum Mr. Beast acababa de salir, por lo que es hasta ahora que siento con Mogwai esa emoción que solo es posible cuando una banda que le gusta a uno lanza un nuevo álbum, en este caso, su mas reciente esfuerzo se titula The Hawk Is Howling.

Si alguien me pregunta en que consiste Mogwai, me atrevería a decir que el sonido de estos cinco escoceses puede definirse como una clase de 'Rabia A Punto De Estallar' que sin duda alguna, resulta producto de la combinación entre un sonido pesado y distorsionado que le dan a sus guitarras junto con los arreglos de batería y teclados que complementan a las guitarras de Stuart Braithwaite y John Cummings...una cualidad que sin duda alguna se ve a lo largo de este álbum; mientras que canciones como I'm Jim Morrison, I'm Dead. I Love You, I'm Going To Blow Up Your School. Scotland's Shame. The Precipice y Danphe And The Brain se sienten como el paseo que alguien increiblemente enojado da por el espacio reducido del cuarto al que se ha visto confinado, Batcat, e incluso el final de The Precipice es la explosión de esa rabia: El hombre encerrado acaba de salir y toda esa rabia que estaba atrapada explota contra lo primero que encuentra a su paso.

Mención aparte merece The Sun Smells Too Loud, que curiosamente, aparece hacia la mitad del disco, dando un agradable efecto de 'Intermezzo'. Como lo han demostrado algunos de sus EPs, y la participación de la banda en el Silent Alarm Remixed de Bloc Party, Mogwai no es una banda que le haga el feo a la idea de una remezcla; en ese sentido, este tema no solo es el mas apropiado del album para recibir el tratamiento, sino que además, tiene la asombrosa propiedad de ser bastante rítmico y algo relativamente bailable (una propiedad desconocida para la música de la banda que se llama como los espiritus perniciosos de la mitología china). La combinación del ritmo de la batería junto con el riff de la guitarra en esta canción, hacen que uno en algun momento se encuentre moviendo la cabeza o tamborileando el piso con los pies mientras escucha el tema.

The Hawk Is Howling tiene el aspecto y el feel de una montaña rusa emocional, con partes de tensa calma, de rabia desatada y muy extraña relajación, como lo condensan las 3 Bonus Tracks que acompañana este álbum: Dracula Family, Stupid Prick Gets Chased By The Police And Loses His Slut Girlfriend, y Devil Rides, la única canción con parte vocal del álbum. Despues de 6 álbums (incluyendo a este), nos muestra a una banda madura y bien compenetrada con su sonido; es, sin duda alguna, uno de los álbums mas importantes que ha visto la luz en el 2008 y es altamente recomendado.

Santa Cachucha chicos y chicas! Mi reseña del concierto de CARAJO; Odio a Botero y El Sie7e fue publicada en el sitio de EJE Records! una vez mas, le agradezco a Andrea de EJE Records el haber publicado la reseña.

Broken Social Scene Presents: Kevin Drew - Spirit If...

Lo prometido es deuda...en parte. Aunque no he podido encontrar una copia de Something For All Of Us para reseñar (como lo había prometido), no tuve dificultad para encontrar una copia del protagonista de la presente reseña, y ciertamente, no podía dejar pasar la oportunidad.

Cuando alguno de los miembros de una banda decide hacer un proyecto en solitario, como John Frusciante en los Red Hot Chili Peppers, o Albert Hammond, Jr. en Los Strokes, siempre trato de poner bastante atención. Porqué? Porque es una forma bastante interesante de hacerle 'Ingeniería Inversa' al sonido de dicha banda. Es posible entender cual es la contribución de ese músico en particular a la propuesta del grupo en general, y una vez se ha descubierto eso, cuando se vuelve a escuchar al grupo, la experiencia es mas recompensante por cuanto se tiene un mayor conocimiento de la banda en cuestión.

Ciertamente este es el caso con Spirit If... Cuando hablaba de Broken Social Scene, comentaba como sus primeros álbums tenían una vertiente decididamente Ambient, y si me permiten el atrevimiento, tambien tenían unos muros de sonido que recordaban al My Bloody Valentine de sus mejores épocas (Lo cual tiene un tufillo a redundancia porque MBV nunca ha tenido malas épocas), y al escuchar este álbum, uno se da cuenta que buena parte de esas propiedades del sonido de BSS son obra de Kevin Drew. En ese sentido, canciones como Farewell to the pressure kids, la canción que abre el álbum, junto con Frightening lives, Back out on the..., Underneath the Skin, When it begins, Aging faces/Losing places, o Gang bang suicide tienen ese caracter que se veía con mas fuerza en Feel Good Lost, primer album del colectivo canadiense: Canciones llenas de overdub tras overdub que logran crear el ya mencionado muro de sonido, una presencia constante y dificil de describir con exactitud, y que lejos de tener una naturaleza ominosa, en ocasiones llega a ser increiblemente seductora.

Agarrar mañas o expresiones de las personas que conocemos es algo inevitable: Permaneces el suficiente tiempo en la compañía de alguien, y antes que te des cuenta, has adoptado una que otra expresión de esa persona, o tu forma de caminar ha cambiado un poco o cualquier otra cosa, y al oir este álbum, es evidente que lo mismo le ha pasado a Kevin Drew, pues así como hay canciones que recuerdan al sonido mas etereo de BSS, tambien hay otras que ponen de manifiesto la cualidad de 'Pop Barroco' o 'Pop de Camara' de Broken Social Scene, y que puede interesar a quienes hayan oido a I'm From Barcelona (De quienes ya había hablado en otra ocasión), como se ve en Tbtf, F---ed up kid, Safety bricks, o Lucky ones. Sin embargo, el hecho que esas canciones se encuentran juntas dentro del tracklist del album (lo que tambien ocurre con las canciones que había mencionado con anterioridad) le quita un poco de naturalidad al álbum, probablemente, su único punto flaco.

En varios de los distintos álbums que he tenido la ocasión de reseñar hasta el momento, comento como se convierten en excelentes puntos de entrada para conocer una banda. lo mismo ocurre con este disco, que se convierte en una excelente síntesis del sonido de Broken Social Scene, al mismo tiempo que permite escuchar la voz propia de Kevin Drew.

Carajo, Odio a Botero y El Sie7e - Octubre 10 de 2008

Del punk se dicen muchas cosas... Que es mediocre, que no es mas que pop acelerado (con lo cual estoy muy de acuerdo), que es muy buena escuela para arrancar a hacer música, que dentro de 50 años bandas como Los Ramones van a tener el estatus de Los Beatles, en fin... Se dicen muchas cosas que muy en el fondo, apuntan al hecho que a pesar de su aparente crudeza y falta de recursos, hay un genero que posee muchísima profundidad y que asi como ha evolucionado en distintos géneros, tambien tiene mucho camino para recorrer y explorar dentro de si mismo, como lo demostró el concierto del Viernes 10 de octubre de Carajo (de Argentina) y las bandas colombianas Odio a Botero y El Sie7e que tuvo lugar en EJE Bar.

Dicen por ahí que hacer comedia es diez veces mas dificil que hacer drama, es por eso que siempre he respetado a las bandas que no se toman DEMASIADO en serio y que tienen un buen sentido de la comedia, y mas aun, cuando entre una frase como 'Las Armas Nucleares Son Bruscas' logran decir algo que pueda dejar pensando a la gente...Odio A Botero es de alguna manera, como ese amigo que uno siempre tuvo en el colegio y/o la universidad que era increiblemente payaso, pero que cuando te sentabas a hablar con el resultaba ser un tipo con ideas mas o menos interesantes. En las bandas en las que hay mas de un vocalista, el principal problema a superar es como llegar al punto medio en el que un vocalista no tenga mas protagonismo que el otro y la labor de ambos se encuentre bien balanceada dentro de la musica de la banda, en ese sentido, Odio A Botero ha llegado lentamente a ese punto, como lo muestran las canciones de su último álbum Kill The Cuentero, la labor de René Segura y Carolina Cantor en cada una de las canciones se encuentra distribuida de una manera que se siente muy natural, y en ningun momento forzada.

A la hora de reseñar una banda en vivo despues de oirlos en la radio o escuchar su álbum, es inevitable verlos a través de las impresiones que deja ese primer contacto, en ese sentido, siempre he pensado que El Sie7e es una de esas bandas que cae en el mismo molde que -entre otras- The Hall Effect: Hay algo tanto en su sonido como en sus letras que tiene un tufillo a Extremadamente Genérico y con una especie de miedo a tomar riesgos. Aunque esto es algo mas notorio en su sonido en estudio que estando en vivo, fue una impresión que no se borró por completo en esta presentación. Finalmente, aunque quizá no tenga mucha autoridad moral para hacer este reclamo (a fin de cuentas, bajo determinadas circunstancias, puedo tener el léxico de un marinero en día de permiso), resulta un poco molesto cuando de cada 5 palabras, 2 son 'Hijueputa', es un poco chocante y la verdad sea dicha, no hace que uno le ponga mas atención al que está sobre el escenario.

Cuando uno piensa en la música que viene de Argentina, los nombres que suelen venir a la cabeza son Fito Páez, Charly García, o L.A. Spinetta; aunque son nombres relevantes (He visto a 2 de los 3 en vivo,y me gustó lo que vi), realmente solo viene a ser una fracción de lo que viene del país de Boogie el Aceitoso. A fin de cuentas, Argentina y Brasil fueron de los países que mas acogida le dieron a Los Ramones en su época (Llegando a llenar estadios mientras que en EEUU tenían que contentarse con bares mugrosos), y dejaron una impresión que aun se siente, como lo demuestra Carajo. Existe la creencia general que la música que tiene un componente fuerte de Agresión o Fuerza (o como se quiera llamarle) tiende a ser bastante limitada en lo que a su técnica, ejecución y posibilidades se refiere, creencia que al oir a Carajo queda enérgicamente refutada, especialmente con el setlist del concierto del viernes en el que se pudieron ver en retrospectiva los cambios en el sonido del trío argentino, arrancando con su album mas reciente, dejando los clásicos como 'Sacate la Mierda' para el final. Finalmente, es muy agradable ver una banda que sigue tomandose el tiempo para conectar con su audiencia, quedándose casi una hora despues de terminado el concierto para tomarse fotos y firmar autógrafos, lo que en parte fue posible por el ambiente del concierto.

En conclusión, un muy buen concierto, tanto por el ambiente del mismo como por las bandas que se presentaron, mostrándonos a una banda que es digna sucesora de Attaque 77 y A.N.I.M.A.L, así como dos propuestas nacionales las cuales, independientemente de la afinidad que se les tenga, merecen apoyo y seguimiento constante.

Y para rematar, los dejo con estas fotos de un servidor junto a los miembros de la banda (Para que se ubiquen, yo soy el de gafas y peinado horrible)